TESOROS MUSICALES (Cuarto Tomo)

TESOROS EN CINTA MAGNÉTICA

TOMO CUARTO

Vamos a continuar repasando esta auditeca. Luego veremos que se transforma en discoteca y, posteriormente, en videoteca. 300 volúmenes o estuches sonoros nos dieron una idea de la ingente labor que supone esta recopilación, de la que, sin duda, todos saldrán ganando. Los unos, porque con su lectura, aumentarán un caudal de cultura y conocimientos. Los otros, porque se animarán a hacerse, también ellos, de un elenco semejante de obras. Los demás, porque se admirarán de que exista gente que, como nosotros, guarden con tanto celo el arte y la belleza de este mundo, creación humana e inspiración divina a un tiempo. En realidad, esto es un homenaje a la Belleza con mayúscula, de la que toda belleza se adorna para que pueda ser tenida como tal.

Este segundo tomo también estará compuesto por volúmenes sonoros. Lo dividiremos, igualmente, en DOS partes, para su más fácil manejo y comprensión. Ya estamos en la Primera y ya iniciamos, si te parece, amigo(a), su revisión detallada.

-301-

ANTON BRUCKNER

Sinfonía n. 4 en Mi bemol mayor 

-ROMÁNTICA-

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por

BERNARD HAITINK

El compositor, que había nacido en 1824, trabajó en ella desde 1874 hasta 1886. Moriría diez años mas tarde. El compositor austriaco no dejaba de revisarla. Se estrenó, tras la última revisión, en Nueva York. En 1927 se fundó la Sociedad Internacional Bruckner, a fin de publicar, lo más fielmente posible, todas las obras de este compositor católico. Bruckner muestra una experiencia sinfónica única, basada en la ampliación de las formas, en la homogeneidad de estilo y la orquestación en bloques compactos que generan una gran potencia sonora.

He aquí los Movimientos de esta Sinfonía:

1- Bewegt, nicht zu schnell. La primera idea emerge de un misterioso trémolo de la cuerda.

2- Andante quasi allegretto. Melodía melancólica canta por las violas como un amplio coral.

3- Scherzo. Describe una cacería. Brillantes fanfarrias emergen de una música campestre vivaz y rítmica.

4- Finale. Grandiosidad y plenitud no faltos de lirismo, que nos recuerda a Wagner. 

Antes de cerrar el cassette, escuchamos al grupo MOCEDADES.

-302-

JOHANNES BRAHMS

Sinfonía n. 2 en Re mayor, op. 73

Danzas Húngaras n. 5, 6, 3 y 1

Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por

HERBERT VON KARAJAN 

Músico que nace en 1833 y muere en 1897. No empezó a trabajar el sinfonismo sino hasta bien entrado en años. Tenía 43. Veinte años después de la primera sinfonía, estrenó la Sinfonía que nos ocupa. Era 1877. Tiene un carácter triste y melancólico, pero, al mismo tiempo, es de las más serenas escritas hasta entonces por cualquier compositor. 

He aquí sus Movimientos:

1- Allegro non troppo. Lo inician cellos y bajos con un tema de estilo pastoral. Les siguen trompas, madera y violines. 

2- Adagio non troppo. Los violocellos se destacan expresando su música, hasta que trompa, fagot y oboes entran en escena.

3- Allegretto gracioso. Es uno de los fragmentos más conocidos de la obra de Brahms, siguiendo la directriz del oboe. Una serie de variaciones le dan fluidez al movimiento.

4- Allegro con espíritu. Tras tranquilo inicio, la orquesta entra súbitamente y crea un espacio de gran virtuosismo.

Cuando Brahms tenía 20 emprendió una gira de conciertos por Hungría, de la que aprendió su música popular. Él la reflejó en cuatro libros sobre “danzas húngaras”, de las que en esta cinta destacamos cuatro. No es necesario decir que valen un Potosí. 

-303-

JOHANNES BRAHMS

Concierto para violín en Re mayor, op 77

Solista

ARTHUR GRIMIAUX

Orquesta del Concertgebeuw de Amsterdam dirigida por 

EDUARD VAN BEINUM

Este “concierto” está considerado, junto al de Beethoven y Mendelssohn, uno de los más importantes desde el punto de vista de la orquestación. De hecho, Brahms se lo pensó dos veces. Lo acabó en el verano de 1878. Se estrenó en Leipzig el 1 de enero de 1879. A pesar de que el violín es difícil y su papel de virtuoso, Brahms demuestra en este concierto el dominio perfecto de la sinfonía. Ningún concierto para instrumento solista tiene el rigor musical que presenta el de Brahms.

En un sinfónico tutti orquestal se abre esta obra, introduciendo en él todos los temas. 

El movimiento central se inicia con una melodía a cargo de los oboes. Es un tema que disimula su monocolorismo con la variedad rítmica y armónica.

El tercer movimiento es un rondó inspirado en la música popular húngara, acabando en forma de mancha.

*

Variaciones sobre un tema de Haydn

La misma Orquesta dirigida por 

BERNARD HAITINK

Compuesta y estrenada en 1873, la idea principal de estas “variaciones” recibe el nombre de Coral de san Antonio. Se van transformando en danza para terminar en pasacalle.

*

La cinta concluye con música flamenca.

-304-

JOHANNES BRAHMS

Concierto para piano n. 2 en Si bemol mayor, op. 83

Al piano

MISHA DICHTER

Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, bajo la batuta de

KURT MASUR

Brahms escribió dos conciertos de este género, con veinte años de diferencia entre uno y otro. Éste de que hablamos lo terminó 1881. El piano actúa como elemento conductor, no como oponente a la orquesta. En realidad, este concierto es una sinfonía con piano, pues tiene, incluso, cuatro movimientos:

1- Allegro non troppo. La trompa expone el tema inicial. Le sigue el piano para preparar la entrada de la orquesta, con quien se sitúa en plano de igualdad.

2- Allegro appassionato. El piano crea una atmósfera romántica, mientras la orquesta elabora con insistencia todo el material temático.

3- Andante piu adagio. Tema único expuesto por el violoncello, que el piano acompaña con rica ornamentación. 

4- Allegretto gracioso. Es uno de los movimientos más alegres escritos por Brahms. La melodía del piano la recogen los violines para pasarla a la orquesta. 

*

El cassette se cierra con una reflexión cristiana a cargo de Juan Antonio Monroy, en un espacio radiofónico. Tema: La muerte en Rubén Darío. La cita sólo dos o tres veces, pero ¡cómo la cita! 

-305-

JOHANNES BRAHMS

Sexteto n. 1 en Si bemol mayor, op. 18

Miembros del OCTETO FILARMÓNICO DE BERLÍN

Fue Brahms quien dio forma definitiva a este tipo de composición. Lo compuso en 1860, estrenándose el 20 de octubre de ese año. Asistió al estreno la esposa de Schumann, Clara, que quedó impresionada. Es la primera gran obra de cámara de Brahms. Es una hermosa página que demuestra las posibilidades de los intérpretes, recurriendo a todas las combinaciones posibles en un estilo concertante.

*

Lieder:

HEIMWEH, op. 63, n. 8

VON EWIGER LIEBE, op. 43, n. 1

Soprano

ELLY AMELING

Piano

DALTON BALDWIN

Para Brahms, la melodía era la base de cualquier expresión musical. De los 122 números de sus opus, 72 corresponden a obras para la voz humana. Es en éstas donde mejor se refleja su personalidad. 

De los lieder aquí registrados, el primero lo compuso en 1874, sobre texto poético. El segundo, en realidad, son cuatro canciones escritas entre 1857 y 1864. Las compuso para su amada Agata. 

-306-

GUSTAV MAHLER

Donde suenan las brillantes trompetas

Soprano

JESSEY NORMAN

Orquesta del Cocertgebouw de Amsterdam dirigida por

BERNARD HAITINK

La presente grabación se inicia con un “lied” para soprano y orquesta que forma parte del ciclo “el muchacho de la trompa mágica”. El ciclo consta de doce canciones recopiladas de textos populares, y que Mahler compuso entre 1892 y 1898. Este compositor había nacido 1860 y vino en morir el año 1911.

*

Sinfonía n. 1 en Re mayor

-TITÁN-

Orquesta y director anteriores.

Mahler defendía y definía sus sinfonías diciendo que éstas deben ser como el mundo, deben implicarlo todo. Su sinfonismo se apoya en Beethoven y Wagner. El sinfonismo romántico es su punto de partida. 

Esta sinfonía fue compuesta entre 1884 y 1888. Se estrenó en Budapest al año siguiente. Mahler le dio el título de “titán” con que se la conoce. Más tarde, redujo los cinco movimientos a cuatro, según este orden:

1- Langsam schleppend. Extensa introducción. Está inspirado en la forma de sonata. Se establece una atmósfera mágica con sensación de espiritualidad.

2- Kraftic bewegt. Violoncelos y contrabajos mantienen la base rítmica. El tema principal aparece en la madera y en las trompas.

3- Feierlich und gemessen. El mismo Mahler lo llamó “marcha fúnebre del cazador”. La base músical procede de una canción infantil francesa pasada a tono menor. 

4- Sturmisch bewegt. Continúa al anterior sin interrupción. Lo avisan los platillos. Avanza a través de grandes contrastes dinámicos y sonoros.

-307-

GUSTAV MAHLER

La canción de la Tierra

Mezzo

NAN MERRIMAN

Tenor

ERNST HAEFLIGER

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por 

EUGEN JOCHUM

En 1907 trazó Mahler los primeros esbozos de esta obra sobre poemas chinos que, en esa fecha, encajaban con su estado de ánimo, deprimido por la muerte de su hija mayor. Son seis poemas, uno para cada movimiento. Mahler le dio el nombre de sinfonía, pues consideraba la voz humana como parte importante de la orquesta. Se estrenó el año de su fallecimiento, en Munich, el 20 de noviembre, bajo la dirección, nada menos, de Bruno Walter.

1- Brindis por la miseria de la Tierra. 

2- El solitario en otoño.

3- De la juventud.

4- De la belleza.

5- El borracho en Primavera.

6- La despedida.

El propio Mahler extrajo las conclusiones que se desprenden de la obra: AUNQUE LA VIDA ES PASAJERA Y EL HOMBRE ESTÁ SUJETO A LA MUERTE, LA TIERRA RENOVARÁ SU CICLO VITAL ETERNAMENTE.

*

La cinta termina tras escuchar canción española y música húngara.

-308-

GUSTAV MAHLER

Canciones de un camarada errante

Canciones a la muerte de los niños

Barítono

HERMANN PREY

Estos lieder están escritos por Mahler entre 1883 y 1885. Son su primera obra maestra, que se adapta con frescura y espontaneidad a los textos populares. Se estrenó en Berlín el 16 de marzo de 1896. El primer bloque lleva estos títulos:

1- Mientras mi tesoro celebra su boda.

2- Cuando crucé los campos esta mañana.

3- Tengo un cuchillo ardiente.

4- Los azules ojos de mi tesoro.

Entre 1901 y 1904, Mahler compuso el segundo bloque aquí registrado. Estaba impresionando por la muerte de su dos hijas. La primera audición fue en Viena, el 29 de enero de 1905. En esta cinta se registran dos canciones solamente, el n. 1 y el n. 3: Ahora quiere el sol alzarse y Cuando tu madrecita. 

*

Andante-Adagio de la Sinfonía n. 10 (Inacabada), en Fa sostenido menor y mayor.

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por BERNARD HAITINK

La inició, según Alma Mahler, en 1910. Sólo compuso, completo, el primer movimiento, pero ésta su última obra ya adelanta el atonalismo e intuyó el dodecafonismo de la primera mitad del siglo XX. Contiene una sutileza dinámica que va reapareciendo durante todo el movimiento.

*

El estuche sonoro se cierra con música de órgano.

-309-

RICHARD STRAUSS

Don Juan, op. 20

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam bajo la batuta de

EUGEN JOCHUM

Es un poema sinfónico según texto de Nicolaus Lenau. Richard Strauss, que nace en 1864 y muere 1949, está influido por las doctrinas de Nietzsche sobre el “superhombre”. Don Juan va de un amor a otro en busca de la mujer perfecta. La primera interpretación de la obra, dirigida por el propio autor, fue en el Teatro Real de Weimar, el 11 de noviembre de 1889. El poema está compuesto casi en forma de sonata, próxima al “rondó”. Los diversos temas amorosos, dolorosos o lánguidos, culminan en el desenfreno del carnaval, que da lugar a una dramática coda.

*

Así hablaba Zaratustra, op. 30

La misma orquesta, dirigida, esta vez, por 

BERNARD HAITINK

Obra escrita en 1896. Recibió muchas críticas por su pretensión de hacer música filosófica. Strauss dirigió su estreno, que tuvo lugar en Frankfurt el 27 de noviembre del año citado. La obra comprende nueve episodios, cuyos títulos está toimados de la homónima de Nietzsche. Excepto el noveno, original de Strauss:

De los transmundanos

Del gran anhelo

De las alegrías y de las pasiones.

La canción de los sepulcros

De la ciencia

El convaleciente

La canción del baile

La canción de la noche

La canción del noctámbulo.

*

Con música de Zarzuela se cierra el cassette presente.

-310-

RICHARD STRAUSS

El caballero de la rosa

(selección)

Coro de la Ópera de los Países Bajos

Orquesta Filarmónica de Rótterdam dirigida por

EDO DE WAART

Es la primera ópera cómica de su autor. La calidad del ibreto de Hofmannsthal inspiró a Strauss una obra maestra. Tiene cierto espíritu mozartiano. De hecho, tiene muchos puntos en común con “las bodas de Fígaro”. La obra de Strauss se estrenó en Dresde, el 26 de enero de 1911, con éxito inmediato.

Alrededor de “la mariscala” se mueve toda la acción. El diálogo amoroso es interrumpido por un primo suyo, que precisa llevar una rosa de plata a una joven con la que quiere casarse. La Mariscala censura a su primo que vaya tras el dinero de su amada. 

El segundo acto sucede en casa de la tal joven que, pensativa, espera el regalo de la rosa, mientras hay algazara general en la escena. Hasta que canta la joven Sofía.

El primo de la mariscala protagoniza un alarga escena en la que maldice a todo el mundo por el desengaño de la joven. Pero, recobrado el buen humor, canta una especie de vals.

Resignado por el despecho de la joven, el barón refugia su esperanza en su prima, pero ésta le anima a volver con Sofía, y ambos amantes muestran su felicidad.

-311-

ANTONIN DVORAK

Sinfonía n. 9 en Mi menor, op. 95

-DEL NUEVO MUNDO-

Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín bajo la dirección de

LORIN MAAZEL

Dvorak nace en 1841 y fallece en 1904. Es uno de los grandes representantes de la música checa.  Cultivó los diversos géneros de la composición. En 1892, asumió la dirección del Conservatorio de Música de Nueva York. Y furo de su estancia en América fue esta Sinfonía, cuyos movimientos  son:

1- Adagio-Allegro molto. Los temas se alternan en clima de exhuberancia.

2- Largo. Es una reproducción exacta de un “negro espiritual”. 

3- Scherzo molto vivace. Presenta una melodía de carácter popular, tranquila y sonriente.

4- Allegro con fuoco. Es un resumen de los tres movimientos anteriores, que alcanza espectacular sonoridad.

*

BEDRICH SMETANA

El Moldava

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, bajo la batuta de 

BERNARD HAITINK

Smetana vino al mundo en 1824, y se fue de él sesenta años más tarde. Entre 1872 y 1879 compuso un ciclo de poemas bajo el título MI PATRIA, recordatorio de hechos y lugares patrios. La obra que nos ocupa está dedicada al río que cruza la capital, Praga. El poema se divide en seis secciones, que corresponden a los diversos tramos del río Moldava. 

*

Con canción moderna se cierra el cassette.

-312-

ANTONIN DVORAK

Concierto para violoncelo en Si menor, op. 104

Bosques silenciosos, para celo y orquesta, op. 68, n. 5

Rondó en Sol menor, op. 94 para celo y orquesta.

Celo

MAURICE GENDRON

Orquesta Filarmónica de Londres con

BERNARD HAITINK

Este “concierto” es, sin duda, una obra maestra. Lo inició durante su estancia americana. Lo acabó en Praga, dedicando el último movimiento a su cuñada fallecida, Josefina, porque esa melodía inspiradora era del agrado de ella desde su juventud. Él mismo dirigió su estreno, en Londres, el día de San José de 1896. Aunque le da un aire a la “sinfonía del nuevo mundo”, su estilo es absolutamente checo. La original inspiración, la brillantez orquestal y la ambiciosa parte solista, hacen de este concierto el mejor de su género en el mundo. Son sus tiempos: Allegro, Adagio ma non troppo y Allegro moderato.

*

Dvorak escribió una serie de piezas pequeñas bajo el epígrafe de LOS BOSQUES DE BOHEMIA, para piano a 4 manos, que fue arreglando para piano y celo y, en 1893, para celo y orquesta, tal cual aquí se halla. 

También compuso este “rondó”, que es una encantadora pieza, llena de gracia, pero que requiere del intérprete una gran virtuosismo.

-313-

MODESTO MUSSORGSKI

Cuadros de una Exposición

(versión orquestal de Ravel)

Orquesta Sinfónica de Minneápolis con

ANTAL DORATI

Mussorgski nació en 1839 y murió 1881. Entre sus obras, destaca esta que nos ocupa hoy. Está escrita 1874, como homenaje a un amigo pintor, cuyos cuadros se han hecho más famosos por esta música que por sí mismos, más bien mediocres. Aunque escritos para piano, es evidente que estaban proyectados para la orquestación. Y eso es lo que de esta obra hizo Ravel: orquestarla. Sus movimientos son los títulos de los mismos cuadros. 

*

MIHAIL GLINKA

Obertura de Ruslán y Luzmila

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, con

BERNARD HAITINK

Glinka nace en 1804 y muere 53 años más tarde. Con él surge la Escuela Rusa de Composición. Es su segunda ópera de 1842. Está basada en la obra homónima del poeta Pushkin, llena de aventuras extraordinarias y de seres fantásticos, con inspiración en las antiguas baladas rusas. Se estrenó en Moscú el 9 de diciembre de 1842.

*

ALEXANDER BORODIN

En las estepas del Asia Central

La orquesta anterior con

JEAN FOURNET

Este compositor y científico nació en 1833 y, como Glinka, murió al cumplir los 53 años. Destacado músico del siglo XIX, compuso obras de todos los géneros, de las que destaco ésta, que ilustra uno de los episodios de la historia de Rusia. Todos ellos los compuso para el 25 aniversario de la subida al trono del zar Alejandro II, en 1880. 

-314-

NIKOLAI RIMSKI-KORSAKOV

La gran Pascua rusa, op. 36

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, dirigida por

IGOR MARKEVITCH

Este compositor nació en 1844 y murió en 1908. Fue el más fecundo del Grupo de los Cinco. Fue miembro del Conservatorio de San Petersburgo. Esta obra que nos ocupa es un estudio para orquesta. Sin embargo, el prefirió que fuera una obertura sobre  temas litúrgicos rusos.

*

ALEXANDER BORODIN

Danzas polovtsianas de

EL PRÍNCIPE IGOR

Los mismos intérpretes y el CORO DE LA RADIO HOLANDESA

Desde 1869 hasta su muerte, 1887, Borodin dedicó todo su tiempo libre a la ópera “el príncipe Igor”, que completaron Rimski Korsakov y Glazunov. Estas danzas aparecen al final del segundo acto, cuando el gran Khan da una fiesta en honor del Príncipe Igor. Constituyen un magnífico “intermezzo”, ejemplo musical de la Rusia del XIX.

*

PIOTR TCHAIKOVSKY

Obertura 1812

Los mismos intérpretes anteriores.

También este autor, que nace en 1840, vivió 53 años. Esta obertura la escribió en 1880, para la Gran Exposición de Moscú y en conmemoración de la victoria rusa sobre las tropas de Napoleón en 1812. Ya la breve introducción nos habla del carácter militar de esta composición. La melodía de “la marsellesa”, símbolo del enemigo francés, alterna con un tema de una canción rusa. En un clima de exaltación, la obra concluye con un himno de acción de gracias.

*

MODESTO MUSSORGSKI

Una noche en el Monte Pelado

Orquesta Sinfónica de Londres y

ANTAL DORATI

La escribió en 1867 y la modificó varias veces. Esta versión fue la arreglada por Rimski Korsakov. Su estreno tuvo lugar en San POetersburgo, el 27 de octubre de 1886, cinco años después de la muerte de Mussorgski. La obra es una evocación del “sabbat” de las brujas, tras una siniestra e inquietante introducción. La bella melodía del  clarinete, seguida de la flauta, proporciona a la obra una poética conclusión.

-315-

NIKOLAI RIMSKI-KORSAKOV

Scheherazade, op. 35

Capricho español, op. 34

Violín

ERICH GRUENBERG

Orquesta Sinfónica de Londres con

IGOR MARKEVITCH

Estos dos estudios para orquesta están escritos entre 1887 y 1888. El primero es una suite sinfónica, cuyas indicaciones aparecieron en la partitura en 1889, según se emplean hoy, a saber:

El mar y el barco de Simbad

La historia del príncipe Kalender

El joven príncipe y la joven princesa

Fiesta en Bagdad-El mar- El naufragio contra la roca coronada por un guerrero de bronce

El sultán Schariar, persuadido de la falsedad de las mujeres, ha decidido matar a cada una de sus esposas después de la primera noche. Pero la sultana Scherezade salva su vida al interesar al sultán con cuentos que le va narrando durante “mil y una noches”. El estreno de esta obra tuvo lugar en San Petersburgo, dirigido por el propio autor, durante el Ciclo de Conciertos Sinfónico Rusos de aquella ciudad, en 1889.

*

En el “capricho español” Rimski da muestra de una gran sensibilidad hacia la música de occidente y hacia las formas populares españolas. Lo estrenó su autor en el Pequeño Teatro de San Petersburgo, el año 1887. La obra consta de cinco movimientos que se suceden sin solución de continuidad

-316-

PIOTR TCHAIKOVSKY

Sinfonía n. 6 en Si menor, op. 74

-PATÉTICA-

Marcha Eslava 

Orquesta Filarmónica de Berlín bajo la batuta genial de

HERBERT VON KARAJAN 

En palabras de propio Tchaikovsly, esta es una sinfonía programática, llena de sentimientos subjetivos. La concibió en Paris, en el año 1893. Pretendió escribir una sinfonía sobre la “vida”, y yo creo, sinceramente, que la escribió sobre la VIDA, ya que él moriría poco después. Es, valga la paradoja, una sinfonía de amor, de desilusión y de muerte. Me impresionó tanto la primera vez que la escuché, allá por los 60 del pasado siglo, que la he vuelto a oír, mejor, a contemplar, cientos de veces, y nunca me resulta aburrida; al contrario, me inunda por dentro de una calma total, emocionante… hasta las lágrimas. Me suele pasar, también, con otras sinfonías suyas, y de otros autores, pero no como ésta. Modesto, hermano del compositor, la definió como “patética”, pero no creo que ese adjetivo sea el exacto. Lo cierto y verdad es que Tchaikovsky terminó con ella su sinfonismo y su vida. Y dejó a los hombres de su tiempo, y a todos los que vendríamos después, una misteriosa muestra del acá y del más allá, como ninguna otra sinfonía no vocal lo ha conseguido hasta el día de hoy. ¡Y ya vamos por el siglo XXI!

Estos son sus Movimientos:

1- Adagio- Allegro non troppo. Lo inicia el fagot. Es un movimiento largo, dividido en seis secciones.

2- Allegro con gracia. Es una vals en compás de 5/4, que supone un momento de evasión.

3- Allegro molto vivace. Surge de la combinación magistral de un scherzo y una marcha. 

4- Adagio lamentoso. Es un verdadero “requiem” sin canto, profundamente emotivo. 

*

La “marcha eslava” la escribió en 1876. Se estrenó, ese año, en Moscú, el 17 de noviembre. Está constituida como una obertura con material inspirado en la música popular serbia y de melodías del sur de Rusia. Utilizó el Himno del Zar para concluir esta soberbia marcha. 

-317-

PIOTR TCHAIKOVSKY

Cascanueces, suite, op. 71

Orquesta Filarmónica de Londres con 

LEOPOLD STOKOWSKY

Para 1890, Tchaikovsky había perdido ayuda de su más íntima amiga. Entonces, dio una gira de conciertos y aceptó los encargos provenientes del Teatro de la öpera de San Petersburgo. Y compuso este ballet, esta suite, que se estrenó en dicho lugar el 19 de marzo de 1892.

Tiene estas divisiones la presente grabación:

Obertura en miniatura

Marcha

Danza del hada Golosina

Danza rusa

Danza árabe

Danza china

Danza de los mirlitones

Vals de las flores.

*

El lago de los cisnes, op. 20

(selección)

Orquesta Sinfónica de Londres con

PIERRE MONTEUX

Tchakovsky compuso esta obra por encargo del Teatro Bolshoi de Moscú entre 1875 y 1876. Se estrenó el 4 de marzo de 1877. Sin éxito. Sin embargo, el triunfo total fue, dos años después de su muerte, en San Petersburgo.

Contiene estas secciones la grabación aquí registrada:

Escena

Vals

Danza de los cisnes

Escena

Danza húngara

Escena final.

*

El cassette se cierra con música moderna.

-318- 

PIOTR TCHAIKOVSKY

Concierto Para violín en Re mayor, op.35

Violín

HENRYK SZERYNG

Orquesta Sinfónica de Londres con

ANTAL DORATI

La idea de este único “concierto para violín” le vino a Tchaikovsky tras un viaje por Europa, concretamente en Suiza. Donde un amigo le presentó la partitura de la “sinfonía española” de Lalo. Era 1878, y empezó la composición de esta joya musical. Ni siquiera los mejores violinistas se atrevía a estrenarlo, dada la dificultad que encerraba. Al fin, alguien se atrevió a presentarlo en público, en Viena, el 4 de diciembre de 1881. Desde entonces, este concierto ha conquistado un lugar de primacía entre los de su género.

Son sus movimientos: Allegro moderato, Andante y Allegro vivacissimo. 

*

Serenata para cuerdas en Do mayor, op. 48

Orquesta Sinfónica de Londres con 

LEOPOLD STOKOWSKY

Fue escrita en 1880. Refleja la calma íntima de su compositor. Se estrenó el 30 de octubre de 1881, en la Sociedad Rusa de Música de San Petersburgo. Se compone de cuatro movimientos: 

Sonatina

Vals

Elegía

Motivo ruso.

*

Antes de cerrarse la cassette, canciones de Juan Bautista Humet.

-319-

PIOTR TCHAIKOVSKY

Concierto para piano y orquesta n. 1 en Si bemol menor, op. 23

Pianista

RAFAEL OROZCO

Orquesta Filarmónica de Rótterdam bajo la batuta de

EDO DE WAART

Lo escribe en 1874. Se estrenó en Boston el 25 de octubre de 1875, durante una gira de conciertos en Estados Unidos. Son sus movimientos:

1- Allegro non troppo y maestoso. Conocido tema expuesto por la cuerda en compás de ¾.. El segundo tema lo expone el clarinete en compás de compasillo. 

2- Andantino semplice. Sobre pizzicato de la cuerda, dulce melodía de la flauta en compás de 6/8. 

3- Allegro con fuoco. Intercambio de cuerda y viento para dar entrada al piano en compás de ¾.

*

Capricho italiano, op. 45

Vals de Eugenio Oneguin, op. 24

Orquesta Filarmónica de Londres con

LEOPOLD STOKOWSKY

El “capricho italiano” fue escrito en 1880, mientras un viaje por Italia. Se hallaba en Roma durante el Carnaval. Se estrenó en Moscú el 18 de diciembre del mismo año. La obra, en compás de 6/8, consta de 4 tiempos y una coda.

*

La ópera de “Eugenio Oneguín” fue escrita entre 1877 y 1878. Era la quinta escrita por Tchaikovsky. Consta de una serie de episodios íntimos, según libreto del escritor ruso Pushkin. Se estrenó en Moscú el 29 de enero de 1879. Este “vals” pertenece a la escena primera del acto segundo. Entran, por este orden, madera, cuerda y tutti orquestal. 

-320-

SERGEI RACHMANINOV

Conceirto para piano y orquesta n. 2 en Do menor, op. 18

Rapsodia sobre un tema de Paganini, op. 43

Piano

WERNER HAAS

Orquesta de la Radio de Frankfurt con

ELIAHU INBAL

Rachmaninov nace en 1873 y muere en 1943. Escribe este concierto en 1900, tras una crisis depresiva. Lo dedica al médico que le ayudó a salir de ella. Se estrenó en Moscú, el 9 de noviembre de 1901. Estos son sus movimientos:

1- Moderato. Majestuoso acordes del piano preparan la entrada de la orquesta. Una melodía apasionada de 45 compases de compasillo, que vuelve a llamar al piano. Solista y tutti en romanticismo perfecto.

2- Adagio sostenuto. Tras haberse apartado de su tonalidad, vuelve al Do menor. Piano y flauta en diálogo amoroso.

3- Allegro scherzando. Se presenta el solista con una cadencia, invitando al oboe y a la trompa. Recogido y cantado tiernamente por el piano

*

Esta “rapsodia” está escrita en 1934. Una de sus obras más brillantes. Consta de 24 variaciones sobre el tema del “capricho n. 24” de Paganini, y se divide en tres secciones. La primera comprende diez variaciones. Desde la n. 11 a la n. 18 comprende la segunda. Con la n. 19 empieza la tercera, escrita en forma de tocata.

*

Etude-Tableau en Do menor, op. 33, n. 3

Etude-Tableau en Mi bemol menor, op. 33, n. 6

Etude-Tableau en Mi bemol menor, op. 39, n. 5

Al piano

RAFAEL OROZCO

Escritos entre 1911 y 1917, estos “estudios” tienen la misión de probar las facultades del pianista, al tiempo que describen sentimientos. Son virtuosas partituras para piano.

-321-

EDWARD GRIEG

Peer Gynt: Suite n. 1, op. 46 y suite n. 2, op. 55

Orquesta del Concertgebow de Amsterdam bajo la batuta de 

JEAN FOURNET

Grieg nace en 1843 y fenece en 1907. Ibsen encargó a Grieg la partitura de este obra, que literariamente había tenido mucha repercusión entre los escandinavos. Era 1874. El 24 de febrero de 1876 se estrenó exitosamente en Cristianía. Refundidas por Grieg las dos Suites, se volvió a estrenar en Leipzig 1888.

Las secciones de ambas suites orquestales, correlativamente, son:

Por la mañana

La muerte de Ase

Danza de Anitra

En el palacio del rey de la montaña

Rapto de la novia y lamento de Ingrid

Danza árabe

Regreso de Peer Gynt

Canción de Solveig

(aquí, en la voz de la soprano ANNETTE DE LA RIJE)

*

Concierto para piano y orquesta en La menor, op. 16

Piano

CLAUDIO ARRAU

La orquesta anterior dirigida por

CHRISTOPH VON DOHNANYI

Tras formarse musicalmente en Leipzig, Grieg volvió a Noruega para participar en el ideal patriótico de la época. Este Concierto se estrenó 1872. Y estos son sus movimientos:

1. Allegro molto moderato. Empieza con un redoble de timbal, tras el que entra el pianista. Lirismo a borbotones.

2. Adagio. Ahora es la orquesta la que empieza en otra tonalidad, mientras el piano entra ejecutando variaciones.

3. Allegro moderato molto. Danza popular que domina casi todo el movimiento.

-322-

JEAN SIBELIUS

Vals triste, op. 44

Orquesta del Cocertgebouw de Amsterdam dirigida por

EDWARD VAN BEINUM

Sibelius nace en 1865 y muere en 1957. Es el más representativo de la música finlandesa. Aunque procedente de familia sueca, se identificó como nadie con el alma de Finlandia.

Este  “vals triste”, escrito en 1904, es una partitura íntima y dolorosa, y una de las más inspiradas de su autor,

*

Sinfonía n. 2 en Re mayor, op. 43

La misma orquesta dirigida por

GEORGE SZELL

Sibelius cursó sus estudios musicales en el Conservatorio de Helsinki. Las siete “sinfonías” de Sibelius abarcan un período de 25 años, entre 1899 y 1924. Esta que nos ocupa la escribió entre 1901 y 1902. Es evidente en ella la influencia de la “patética” de Tchaikovsky. Se estrenó en Helsinki, el 8 de marzo de 1902, con gran éxito. Estos son sus movimientos:

1- Allegreto tranquilo. En compás de 6/4, se suceden la sencillez y las cumbres sonoras. 

2- Andante sostenuto. Tres temas en compases de compasillo y de 3/2, en distintas tonalidades.

3- Vivacísimo y lento. Compás de 12/4. Cinco golpes de timbal dan paso a la melodía que canta el oboe.

4- Allegro moderato. Compás de 3/2 en la tonalidad inicial. Temas y melodías en clima de incertidumbre. Murmullo de la cuerda baja.

*

Finlandia, op. 26

La misma orquesta con

EDWARD VAN BEINUM

Poema sinfónico, escrito 1899, que es verdadero himno nacional para ese pueblo. Se inicia con brillante fanfarria y alterna momentos idílicos con otros de fuerza expresiva. El Colegio Seráfico de Cehegín (Murcia), con letra del P. Fermín María Sánchez, lo trocó en Himno de Despedida, y, todos los años, los antiguos alumnos lo cantan en sus encuentros en la ciudad de las Maravillas.

-323-

CESAR FRANCK

Sinfonía en Re menor, op. 48

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam bajo la batuta de WILLEN VAN OTTERLOO

Este compositor francés nació en 1822 y falleció en 1890. Tenía ya 64 cuando empezó la composición de esta extraordinaria “sinfonía”, que terminó dos años más tarde. Se estrenó en una sesión de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio de París, el 17 de febrero de 1889. No tuvo mucho éxito y, sin embargo, hoy es programa en todos los escenarios del mundo. Son sus movimientos:

1- Lento-allegro non troppo. La cuerda baja lo inicia con un juego de tres notas en compás de compasillo. Movimiento inquietante y grandioso.

2- Allegreto. Cambia la medida a ¾  y tras acordes de arpa, emerge la melodía del corno inglés, que es contestada por clarinete y trompa. Es un clima de elegante romanticismo.

3- Allegro non troppo. Vuelve al compás del 1º. Hay una recopilación de los dos anteriores movimientos. Éste, el último, concluye triunfalmente.

*

Variaciones sinfónicas, op. 46

Al piano

INGRID HAEBLER

La misma orquesta dirigida por ELIAHU INBAL

Franck las compuso en el verano de 1885. Se estrenó esta partitura en un concierto de la Sociedad Nacional de París, el 1 de mayo 1886. Composición concisa y equilibrada en compás de compasillo, jugando con dos temas a través de los tres movimientos.

*

La cinta acaba en una reflexión sobre la verdad. Frente a las verdades humanas, muchas y variadas, está la verdad de Dios. Dios, en cuanto a verdad, no puede cambiar jamás. Dios es el mismo en todas partes, aunque su concepto en los hombres sea distinto.

-324-

CAMILLE SAINT-SAENS

Introducción y rondó caprichoso para violín y orquesta, op. 28

Habanera para violín y orquesta, op. 83

Violín

HENRYK SZERYNG

Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo dirigida por

EDWARD VAN REMOORTEL

Compositor francés que nació en 1835 y vino a morir en 1921. Es uno de los más interesantes de su país por su actividad pedagógica y por su defensa de la música instrumental. 

La primera de estas obras la dedicó a nuestro violinista Pablo Sarasate, estrenándose en 1867. Pasa del compás de 2/4 al de 6/8. 

La “habanera” está considerada como una joya de la música para violín. Se mantiene en el compás binario.

*

Danza macabra, op. 40

Orquesta del Cocertgebouw de Amsterdam bajo la dirección de BERNARD HAITINK

Poema sinfónico escrito en 1874 y estrenado el 24 de enero de 1875. Describe una escena alucinante, en que la Muerte, tras las 12 campanadas de medianoche, en una sombría noche de invierno, toca un aire de vals, en ¾, sobre las tumbas, mientras los esqueletos se abandonan a una macabra danza. Desde esta obra, el xilofón pasó a formar parte de la orquesta sinfónica.

*

PAUL DUKAS

El aprendiz de brujo

La orquesta anterior con

JEAN FOURNET

Nace este compositor francés en 1865 y muere en 1935. Dedicó la mayor parte de su vida a la enseñanza musical. Muchas de sus obras no llegaron a editarse, pues él mismo las destruyó al no considerarlas suficientemente buenas. Entre las que salvó está este “aprendiz de brujo”, admirable scherzo sinfónico, escrito 1897, que alcanzó enorme popularidad hasta el día de hoy. Compás de 3/8. 

-325-

ISAAC ALBÉNIZ

Suite IBERIA

(selección)

Al piano

JOSÉ TORDESILLAS

Albéniz nace en 1860 y fenece 1909. Eminente pianista, pasó gran parte de su vida fuera de España. En 1893 empezó a dedicarse plenamente a la composición. Con la “suite Iberia” consiguió fundir lo popular y lo cultural. La compuso entre 1905 y 1909. Son doce piezas, de las que aquí hay una selección, y son:

Triana

En compás de ¾

El Puerto

En 6/8

El Albaicín

En 3/8

Rondeña

En 6/8

Corpus Christi en Sevilla

En 2/4

Evocación

En ¾

Almería

En compás de compasillo.

-326-

ISAAC ALBÉNIZ

Suite Española

Recuerdos de viaje

Piezas características

A la guitarra

NARCISO YEPES

La influencia de Pedrell  fue decisiva en la carrera de este compositor. Aquí hallarás unas cuantas obras de esa época:

1- Asturias, op. 47, n. 5(Leyenda)

2- Rumores de la Caleta , op. 71, n. 6 (malagueña)

3- Torre Bermeja, op. 92, n. 12 (serenata)

4- Malagueña, op. 165, n. 3

*

ENRIQUE GRANADOS

Danza española n. 4

-VILLANESCA-

NARCISO YEPES

Granados nació en 1867 y murió en 1916, en plena I Guerra Mundial. Como Albéniz, fue catalán y eminente pianista, y, como él, buscó su inspiración compositiva en la música española. Escribe sus “danzas españolas” entre 1892 y 1900. Esta aquí registrada es una pieza en Sol mayor y en compás de 2/4.

*

MANUEL DE FALLA

El sombrero de tres picos

(danzas)

Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín dirigida por

LORIN MAAZEL

Falla nace en 1876 y muere en 1946. Es una de las figuras más representativas de la música española. Buscó su inspiración en lo popular andaluz, creando un estilo propio y original.

La obra que nos ocupa está basada en su homónima de Pedro Antonio de Alarcón. Se estrenó en el Teatro Alhambra de Londres, el 22 de julio de 1919. El decorado y los trajes fueron diseñados por Picasso.

1- Fandango. Danza de la molinera. El colorido orquestal es reforzado por arabescos del piano y el arpa.

2- Seguidilla. Danza de los vecinos. Orquestación admirable y fluida.

3- Farruca. Danza del molinero. Contraste entre el soporte rítmico y el refinamiento melódico.

4- Jota. Danza aragonesa final.

*

El cassette se cierra con música bachiana para cello.

-327-

MANUEL DE FALLA

Noches en los Jardines de España

Al piano

MARGRIT WEBER

Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera bajo la batuta de

RAFAEL KUBELIK

Entre 1911 y 1915 compuso Falla esta obra. Se estrenó en el Teatro Real de Madrid, el 9 de abril de 1916. La obra tiene como subtítulo “impresiones sinfónicas para piano y orquesta”. Y sus tres tiempos llevan estos titulares:

1- En el Generalife. Impresionismo romántico.

2- Danza lejana. Animación rítmica de orquesta y piano.

3- En los jardines de la Sierra de Córdoba. Viveza lírica hasta el final.

*

Concerto para clave, flauta, oboe, clarinete, violín y violoncelo.

Dirige

SIR CHARLES MACKERRAS

Es un concierto de cámara, escrito en 1925, y estrenado en Barcelona el 5 de noviembre de 1926. Son sus movimientos:

1- Allegro. Carácter arcaico y moderno con repetición temática.

2- Lento jubiloso y enérgico. Exuberante arpegiado y repetición insistente del tema.

3- Vivace. Contrasta con el anterior por su despliegue imaginativo.

*

ENRIQUE GRANADOS

Intermedio de Goyescas

Danza española, op. 37, n. 8

-SARDANA-

Orquesta Sinfónica de RTVE con

IGOR MARKEVICH

“Goyescas” es la obra más ambiciosa de Granados. Ópera en tres cuadros. Se inspira en dibujos y pinturas de Goya. Se estrenó en el Metropolitan de Nueva York, el 28 de enero de 1916, ajeno el autor a la muerte que el esperaba en altamar, a causa de la guerra europea.

La “danza n. 8”, de las doce compuestas, es brillante y espectacular y sutilmente melódica.

.328-

MANUEL DE FALLA

Al amor brujo

Mezzo

INÉS RIVADENEYRA

Orquesta Sinfónica de la RTVE con

IGOR MARKEVICH

Esta obra se estrenó en Madrid, el 2 de abril de 1915. Candelas, una joven gitana, ama apasionadamente a Carmelo, pero entre ellos se interpone el espíritu de su anterior amante, ya muerto. Carmelo solicita ayuda a Lucía, quien debe distraer con sus encantos al espectro mientras los amantes se besan. Así queda roto el hechizo. Son sus números:

Introducción

Canción del amor dolido

El aparecido

Danza del terror

El círculo mágico

A medianoche

Danza ritual del fuego

Escena

Canción del fuego fatuo

Pantomima

Danza del juego del amor

Las campanas del amanecer.

*

Siete canciones populares

Soprano

ANGELES CHAMORRO

Los mismos intérpretes

Estas “canciones” fueron escritas por Falla en París, en 1914, y se estrenaron en Madrid, el 14 de enero de 1915.

El paño moruno

Seguidilla murciana

Asturiana

Jota

Nana

Canción de amor

Polo.

*

JOAQUÍN TURINA

Danzas fantásticas

Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo dirigida por

LOUIS FREMEAUX

Turina nace en 1882 y muere en 1949. Esta obra la escribió 1919. Cada danza va precedida de una cita de la novela “la orgía” de José Más. Se estrenó en Madrid, el 13 de febrero de 1920.

1- Exaltación. Empieza la danza en compás de 3/8 seguida por una jota.

2- Ensueño. Surge una melodía de zorcico en compás de 5/8. 

3- Orgía. Farruca de carácter gitano, en 2/4.

-329-

JOAQUÍN RODRIGO

Concierto de Aranjuez

Guitarrista

ANGEL ROMERO

Orquesta Sinfónica de San Antonio con

VICTOR ALESSANDRO

Rodrigo nació en 1901, muriendo casi centenario. Es una de las figuras más destacadas de la música española contemporánea. Se estrenó este “concierto” en el Palau de la Música de Barcelona el 9 de noviembre de 1940. Estos son sus movimientos:

1- Allegro con espíritu. La guitarra presenta el primer tema. El movimiento avanza con fluidez. 

2- Adagio. Se basa en un tema único lleno de evocaciones nostálgicas. 

3- Allegro gentile. Evoca una danza cortesana, alegre y graciosa.

*

Concierto andaluz

Guitarras

HERMANOS ROMERO

La misma orquesta y director.

Es una obra para cuatro guitarras y orquesta, que Rodrigo compuso en 1967. Se estrenó, ese año, en San Antonio de Texas. Sus tiempos se basan en temas del folclore andaluz.

*

FEDERICO MOMPOU

Los Improperios

Barítono

PETER CHRISTOPH RUNGE

Coro y Orquesta Sinfónica de la RTVE, dirigidos por

IGOR MARKEVICH

Mompou nace en Barcelona el año 1893. Tiene su primer encuentro con la música a través del piano. Esta obra que nos ocupa está hecha para barítono-bajo y orquesta. La compuso para la Tercera Semana de Música Religiosa de Cuenca, donde se estrenó el 26 de marzo de 1964. Consta de estas partes:

Preludio

Popule meus

Hagios o Theos

Sanctus Deus

Quia eduxi te

Ego propter te

Ego te potavi

Crucem tuam adoramus.

*

El estuche sonoro se cierra con música de piano.

-330-

EDOUARD LALO

Sinfonía española para violín y orquesta, op. 21

Violín 

HENRYK SZERYNG

Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo, dirigidos por

EDOUARD VAN REMOORTEL

Lalo nace en 1823 y muere en 1892. Esta “sinfonía” la estrenó en París, en 1875. La había escrito para Sarasate, nuestro violinista español. En realidad es un concierto para violín y orquesta, escrito en cinco movimientos de marcado carácter español. 

*

MAURICE RAVEL

Tzigane 

Los mismos intérpretes.

Ravel nació en 1875 y murió en 1937. Esta obra es una rapsodia para violín y orquesta. Está dividida en dos partes bien definidas. La primera está dedicada exclusivamente al violín. La segunda admite la participación de la orquesta, que aporta nuevas posibilidades y crea un clima mágico.

*

GABRIEL FAURE

Elegía para violoncelo y orquesta, op. 24

Solista

PAU CASALS

Orquesta de los Conciertos Lamoureux, dirigida por el propio celista. 

Faurè nace en 1845 y muere en 1924. Se caracterizó por un estilo muy personal, que luego influiría en los compositores franceses posteriores. Su “elegía”, escrita en 1883, presenta un carácter de romanticismo sombrío. 

-331-

ERIK SATIE

Piezas para piano

Solista

EVELYNE CROCHET

Nace en 1866 y fenece en 1925. Satie es uno de los compositores más discutidos de la historia de la música. Unos le ven como genio indiscutible, otros como racionalista musical exagerado. Tuvo fama de ser hombre extravagante. Aunque fue un gran orquestador, su mayor producción lo fue para el piano. Como las obras siguientes:

Nouvelles pieces froides

Conjunto de tres piezas escritas entre 1906 y 1910, cuyos títulos aluden a situaciones de equilibrio inestable.

Six pieces de la periode 1906-1913

Son ejercicios de inspiración escolar, que dejan traslucir ciertos rasgos de ironía.

Trois Gymnopedies

Esta famosa obra fue escrita en 1888., en compás de ¾. La primera y la tercera fueron orquestadas por Debussy.

Avant-dernieres pensees

Breve obra escrita 1915, considerada como una de las más bellas de Satie. 

Deux reveries nocturnes

Escritos entre 1910 y 1911, con ambiente romántico.

Six Gnossiennes

Escritas desde 1890, tiene un carácter místico orientalizante.

Premiere pensee Rose-Croix

Satie ingresó en la secta medieval Rosa-Cruz, convirtiéndose en su músico oficial..

Petite ouverture a danser

Se sitúa su composición alrededor de 1890.

Les trois valses du precieux degoute

Compuestos en 1914 como réplica burlesca a los valses de Ravel.

-332-

CLAUDE DEBUSSY

La Mer

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por 

ELIAHU INBAL

Debussy nació en 1862 y partió de este mundo en 1918. Esta obra es la más importante de su producción y, desde luego, la más representativa del impresionismo musical. La compuso en el verano 1903. Sus movimientos evocan las impresiones del compositor frente a la belleza y fuerza del océano. Se estrenó en París, en los Conciertos Lamoureux, en 1905.

1- Del alba al mediodía. El mar despierta poco a poco.

2- Juegos de las olas. Es una obra maestra de orquestación, llena de luminosidad y movimiento.

3- Diálogo entre el viento y el mar. La sonoridad va en aumento hasta una exaltada cumbre orquestal

*

Nocturnos

Coro de mujeres de la Radio Televisión Holandesa, dirigido por 

FRANS MULLER

Orquesta anterior.

Desde 1894 intentó escribir esta obra que, por fín, se estrenó completa el 27 de octubre de 1901.

Nubes

Uno de los más bellos ejemplos de impresionismo.

Fiestas

Un vertiginoso ritmo de danza, que hace al movimiento variado y alegre.

Sirenas

Voces femeninas como instrumento orquestal. Atmósfera mágica.

-333-

CLAUDE DEBUSSY

Imágenes para orquesta

Orquesta Sinfónica de Londres con

PIERRE MONTEUX

Fueron compuestas entre 1906 y 1912. Cada una de las tres partes de “Imágenes” se inspira en la música popular de distintos países: Inglaterra, España y Francia, respectivamente. 

Gigues

Inspirada en la canción popular inglesa “The Keel Row”.

Iberia

Divido en tres partes: “Por los caminos y calles de España”, “Los perfumes de la noche hispana” y “La mañana de un día de fiesta”.

Rondes de printemps

Inspirada en una melodía francesa “Nous n´irons plus au bois”.

*

Suite Bergamasque

Al piano 

WERNER HAAS

Escrita en 1890, su CLARO DE LUNA es una de las piezas más bellas y famosas de la historia de la música por su evidente inspiración.

*

La catedral sumergida

Mismo intérprete

Es el décimo de los preludios compuestos entre 1909 y 1910. Su título alude a una leyenda céltica, según la cual, con la marea baja, se pueden ver los campanarios de la catedral de Ys, y escuchar a las campanas y a los monjes. 

*

Pero en medio de la cinta puede escucharse un coloquio sobre arte y sexo: No se debe notar si hay un arte masculino o femenino. El espíritu si es común. 

-334-

MAURICE RAVEL

Bolero 

Ma mere l´oye

La Valse

Orquesta Sinfónica de Londres con

PIERRE MONTEUX

Es, junto con Debussy, una de las figuras más representativas de la música francesa. Nace en 1875 y muere en 1937. El “bolero” fue estrenado el 20 de noviembre de 1928. La obra consta de un único tema que se repite 16 veces. El tema de la obra lo inicia la flauta y pasa a otros instrumentos en un crescendo perfectamente conseguido. Compás de ¾.

*

Ravel sentía predilección por los niños y compartía con ellos su mundo de fantasía. Tal es el caso de “ma mere l´oye”, que la adaptación de un cuento infantil. La escribe entre 1909 y 1910, y se estrenó en el teatro de las Artes de París, el 28 de enero de 1912. Contiene el ballet estas partes:  

Preludio

El ballet se inicia con la danza de la rueca. Pasaje inquietante, pues la princesa Florina se pincha y cae en un profundo sueño.

Pavana de la Bella

La flauta expone el tema de la princesa dormida, mientras el hada Benigna llena sus sueños de alegres imágenes.

Interludio

El clarinete inicia un vals que representa el diálogo entre la Bella y la Bestia. La música pasa de “fea” a armoniosa.

Petit Poucet

Este fragmento evoca la historia de Pulgarcito. El oboe entona un expresivo tema muy poético.

La emperatriz de las pagodas

El flautín expone un número de aire oriental que se va expresando lentamente.

Apoteosis final, introducida por los violines.

*

“La valse” se estrenó en los Conciertos Lamoureux, el 12 de diciembre de 1920. La inician los contrabajos. Poco a poco, se establece un ritmo de vals y la danza se afirma basada en una idea expuesta por el oboe. La obra acaba con gran espectacularidad.

*

Con canción y ritmo moderno se cierra este cassette.

-335-

MAURICE RAVEL

Rapsodia española

Orquesta Filarmónica de Moscú con

KYRILL KONDRASHIN

Por herencia materna, Ravel sentía con vehemencia todo lo español. En 1907 compuso esta obra. Se estrenó el 28 de marzo de 1908. Tiene estos cuatro movimientos.

Preludio en la noche

Malagueña

Habanera

Feria

*

Pavana para una infanta difunta

Orquesta Sinfónica de Detroit dirigida por

PAUL PARAY

Esta breve página ha contribuido poderosamente a divulgar la obra de Ravel. Compuesta en 1899, y arreglada para orquesta en 1910, su autor se lamentaba de gran parte de su popularidad se debiera a esta composición. Pero es que no es para menos. Es delicada, patética y de gran resonancia. 

*

Concierto para piano y orquesta en Sol mayor

Solista

WERNER HAAS

Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo, bajo la batuta de

ALCEO GALLIERA

Compuesto en 1929, se estrenó en París el 14 de enero de 1932 bajo la dirección del propio Ravel. Estos son sus tres movimientos:

1- Allegramente. La fusta y el tambor dan la señal de inicio. Melodía sentimental del piano.

2- Adagio assai. La orquesta, reducida a la madera y a la cuerda, ejecuta frases melódicas, mientras el piano introduce figuraciones más rápidas.

3- Presto. Se inicia con cuatro acordes orquestales y el piano hace sonar una especie de tocata. 

-336-

GUSTAV HOLST

Los Planetas

Orquesta Filarmónica de Londres con

BERNARD HAITINK

Recordarás que en el -1- de esta colección que vamos revisando hablamos de este autor y de esta colosal obra. Poco que añadir. Holst murió en 1934, sesenta años después de haber nacido. Compuso esta obra entre 1914 y 1916. Se estrenó el 29 de noviembre de 1918. Está formada por siete movimientos:

Marte, el dios de la guerra.

Venus, la diosa de la paz.

Mercurio, el mensajero alado.

Júpiter, el dios de la alegría.

Saturno, el dios de la vejez.

Urano, el mago.

Neptuno, el místico.

*

BENJAMIN BRITTEN

Interludios marinos de Meter Grimes

Orquesta de la Royal Opera House del Covent Garden, con

SIR COLIN DAVIS

Britten nace en 1913 y fallece 1976. Creó un estudio personal. Su basta producción abarca todos los géneros. Su primer gran éxito fue, precisamente, su ópera “Peter Grimes”, escrita entre 1944 y 1945. Se estrenó en Londres el 7 de junio del 45. De los cuatro interludios de esta obra hizo una suite orquestal, de la que aquí se registran los dos primeros:

Amanecer

y

Mañana de domingo. 

-337-

EDWARD ELGAR

Pompa y circunstancia, op. 39, n. 1 al 5

Real Orquesta Filarmónica de Londres dirigida por

NORMAN DEL MAR

Elgar nació en 1857 y murió en 1934. Considerado como uno de los grandes compositores de su época, compuso estas cinco marchas militares para gran orquesta:

1- Marcha n. 1, en re mayor.

2- Marcha n. 2 en La menor.

3- Marcha n. 3 en Do menor.

4- Marcha n. 4 en Sol mayor.

5- Marcha n. 5 en Do mayor.

*

SAMUEL BARBER

Adagio para cuerdas,  op. 11.

Cuarteto para cuerda en Si menor, op. 11

I MUSICI

Barber nace en 1910 y muere 1981. Este “adagio” es el segundo movimiento del Cuarteto que escribiera en 1936. Se estrenó el 5 de noviembre de 1938, dirigido por Toscanini. Últimamente se ha escuchado con cierta profusión, desde el triste atentado a las Torres Gemelas de Nueva York a principios del siglo XXI. Es una página selecta, de las que llegan directamente al alma. No precisan más comentario que su audición contemplativa.

*

BENJAMIN BRITTEN

Guía de orquesta para jóvenes, op. 34

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por

BERNARD HAITINK

La escribió en 1946. En realidad, es una serie de variaciones y fuga sobre un tema de Purcell. Fue compuesta para familiarizar a los jóvenes con los distintos grupos de instrumentos que componen una orquesta. El tema de Purcell va en 3/2, iniciando con blancas las notas RE-FA-LA.

*

El estuche sonoro se cierra con canción moderna.

-338-

GEORGE GERSHWIN

Concierto para piano y orquesta en Fa mayor.

Solista

EUGENE LIST

Orquesta Eastman-Rochester 

con

HOWARD HANSON

Gershwin nace en 1898 y muere en 1937. Hijo de emigrantes judíos de la Rusia zarista, fue el compositor que supo captar como nadie el alma del pueblo americano. El presente “concierto” reúne elementos clásicos y de jazz. Escrito en el verano de 1925, se estrenó el 2 de diciembre, en el Carnegie Hall de Nueva York. Son sus movimientos:

1- Allegro. Se inicia con cuatro golpes de timbal. El impulso rítmico le viene por notas punteadas, introduciéndose un tema melancólico y sincopado.

2- Andante con moto. Empieza la trompa con desarrollo de la trompeta. Y entra el piano con el mismo motivo, hasta el apasionamiento romántico.

3- Allegro agitato. Verdadera explosión de alegría, culmina en un grandioso lleno orquestal.

*

Rapsodia en blue, para piano y orquesta.

Solista

ISADOR GOODMAN

Orquesta Sinfónica de Melbourne con

PATRICK THOMAS

Escrita en 1924. Demuestra las grandes posibilidades del jazz para la música sinfónica. Es una forma libre de rapsodia. Se estrenó el 12 de febrero del 24. El clarinete inicia el tema. A continuación, la orquesta. Por último, el piano, 

-339-

CHARLES IVES

Tercera Sinfonía “The Camp Meeting”

Three Places in New England

Orquesta Eastman-Rochester dirigida por

HOWARD HANSON

Ives nace en 1874 y fenece en 1954. Fue un músico incomprendido y casi olvidado de su época. Tras su muerte, muchos compositores se dieron cuenta del legado que les había dejado. Investigó infatigablemente el mundo de los sonidos, él que no era un profesional de la música, sino un corredor de seguros. 

Compone la “tercera sinfonía” en 1904. Todos sus movimientos proceden de piezas escritas anteriormente:

1- Andante maestoso. Romántica melodía que establece una atmósfera de serena religiosidad.

2- Allegro. Clima de festiva celebración, con marchas y bailes.

3- Largo. Fervor y religiosidad reaparecidas, que se van desvaneciendo.

“Three places” está inspirada en un poema de Robert Underwood Jonson. Se compuso entre 1908 y 1914. Está dividida en tres partes. La primera es un largo fragmento que evoca una procesión fantasmal con ecos de melodías de la guerra de Secesión americana. La segunda está inspirada en aquellas bandas de su adolescencia que, en un mismo punto, tocaban marchas diferentes. La tercera está inspirada en un paseo del compositor con su esposa. 

*

Pero la banda sonora se cierra con un comentario sobre Ives, completo de lo aquí escrito.

-340-

HEITOR VILLALOBOS

Chôro n. 1 en Mi menor.

Suite popular brasileña.

Cinco Preludios.

Guitarra

EVELYNE SCHÖNFELD

Villalobos nace en 1887 y muere en 1959. Está considerado como el más importante compositor brasileño. De sus viajes por todo el Brasil extrajo un profundo conocimiento del folclore de su país. También viajó por toda Europa, residiendo en París entre 1923 y 1929. De vuelta a Brasil, fue director de Estado de la Educación Musical, fundó el Conservatorio Nacional de Canto Coral y  la Academia Brasileña de Música. Compuso más de un millar de obras de todo género.

Villalobos compuso catorce “choros” de los que este primero está escrito para guitarra. Tiene un matiz sentimental que repite varias veces.

La “suite popular” es una obra de su época juvenil. Escrita entre 1908 y 1912 para guitarra sola. Está formada por cinco movimientos y danza. Es una tranquila y romántica pieza con reminiscencias de Chopin. 

Los “cinco preludios” para guitarra fueron compuestos en 1940. Explota todos los recursos polifónicos de la guitarra:

Preludio n. 1 en Mi menor.

Preludio n. 2 en Mi mayor.

Preludio n. 3 en La menor.

Preludio n. 4 en Mi menor.

Preludio n. 5 en Re mayor.

*

Antes de cerrarse el cassette, se oye el Bus del Cole en Radio 80.

Interesante programa radiofónico. Era lunes. Canción de “arroyo claro” por grupo infantil. Llama una niña de 4 años desde Burgos. Otra llama desde Fuenlabrada. Se les da una adivinanza.

-341-

BELA BARTOK

Concierto para orquesta.

Suite de danzas.

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por

BERNARD HAITINK

Bartok nació en 1881 y feneció 1945. Llegó a ser profesor del Conservatorio de Budapest. Recopiló cantos populares de la música eslava. Escribió este “concierto” en 1943. Era el tercer año de su exilio en Estados Unidos. Se estrenó con éxito en Boston, el 1 de diciembre de 1944. Son sus movimientos:

1- Andante y allegro. Ritmo y melodía autoenriqueciéndose. 

2- Allegretto. Los instrumentos de viento tocan por parejas. 

3- Andante non troppo. Tema del primero, pero a la manera de cantos populares.

4- Allegretto. El oboe inicia una melodía folclórica a la que se unen otras.

5- Pesante y Presto. La trompa expone el tema principal. Ritmos de danza hasta el brillante final.

La “suite de danzas” fue escrita en 1923, para conmemorar los 50 años de la fusión de las dos ciudades que forman “Buda-Pest”. Se estrenó el 19 de noviembre de ese año. Los temas de las danzas son originales del autor, aunque inspirados en lo popular:

Moderato

Allegro molto

Allegro vivace

Molto tranquillo

Comodo

Finale

-342-

BELA BARTOK

Música para cuerdas, percusión y celesta.

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam bajo la batuta de BERNARD HAITINK

Esta es una de las obras más importantes del autor. Escrita en 1936, se estrenó en Basilea en 1937. Su original instrumentación no tuvo precedentes. Sus movimientos son:

1- Andante tranquilo. Es una “fuga” construida rigurosamente según un original esquema. Una “coda” de pianissimo cierra el movimiento.

2- Allegro. Es un tema popular en forma de sonata. 

3- Adagio. Es el fragmento más profundo y bello de la obra. Atmósfera nocturna y arabescos.

4- Allegro molto. Todo el movimiento tiene un acentuado carácter percusivo.

*

ZOLTAN KODALY

Hary Janos

Los mismo inérpretes.

Kodaly vino al mundo 1882 y de él partió en 1967, cuando yo había alcanzado la meta más deseada de mi vida. Tuvo un importante papel en la creación de una escuela de música húngara. Esta obra la escribió entre 1920 y 1925. Al año siguiente, la estrenó en Budapest. Versa sobre un héroe cómico del folclore húngaro. Un anciano campesino, ex soldado, que entretiene a sus amigos relatándoles sus aventuras guerreras. La obra consta de un preludio y cinco partes. El momento culminante de la obra es cuando Hary Janos logra vencer y capturar a Napoleón. Luego, desdeñando honores, regresa a su casa para vivir feliz con su eposa. He aquí esas partes.

Preludio. Comienza el cuento.

El reloj musical de Viena.

Canción.

Batalla y derrota de Napoleón.

Interludio

Entrada del emperador y su corte.

*

La cinta llega a su límite con música de Tchaikovsky.

-343-

ARNOLD SCHONBERG

La noche transfigurada, op. 4

NEUES WIENER STREICHQUARTETT

Schönberg nace en 1874 y muere en 1951. Fundador de la Escuela de Viena. Escribió esta obra en 1899. Es un poema de Richard Dehmel para seis instrumentos de cuerda. Se trata del diálogo de dos amantes bajo la luz de la luna. La mujer confiesa que se había entregado antes a un hombre del que espera un hijo. Está abrumada por los remordimientos, pero su amado la consuela diciéndole que él aceptar ese niño como propio. La obra se estrenó en 1903.

*

ALBAN BERG

Concierto para violín y orquesta.

Solista

ARTHUR GRUMIAUX

Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por

IGOR MARKEVITCH

Berg nació en 1885 y murió en 1935. Escribió este concierto en el último año de su vida, estrenándose al año siguiente, en Barcelona. Son sus movimientos:

1- Andante allegretto. Motivo de quintas ascendentes y descendentes. Se anuncia el tema de una coral de Bach, la “Es ist genug”. 

2- Allegro-adagio. Ambiente dramático. Aparece el tema bchiano..

*

ANTON WEBERN

Cinco piezas para orquesta, op. 10

Orquesta Sinfónica de Londres con

ANTAL DORATI

Webern nace en 1883 y viene a morir en 1945. Como Berg, fue discípulo de Schonberg. Ejerció gran influencia en la generación posterior a la II Guerra Mundial. Posee un estilo exageradamente conciso. Esta obra, escrita en 1913, se estrenó en Suiza en 1926. Se basa en pequeñas células que aparecen y desaparecen. 

*

El presente cassette se cierra con música de zarzuela.

-344-

CARL ORFF

Carmina Burana

Dresdner Kapellknaben

Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio de Leipzig, dirigidos por

HERBERT KEGEL

Este compositor nace en 1895 y viene a morir en 1982. Se dio a conocer mundialmente con el estreno de esta obra, en Frankfurt, el 8 de junio de 1937. Es una gran cantata escénica con mímica y ballet. Los textos utilizados se hallaron en 1803, en un monasterio benedictino, en la Alta Baviera. Se trata de un manuscrito del siglo XII y XIII, escrito en latín medieval, en antiguo alemán, con mezcla de francés. De ellos emana una filosofía simple sobre el amor y la vida. De todos esos textos, Orff escogió 25 canciones, amoldando la música a la sencillez literaria. El ritmo es el encargado de dar variedad al conjunto musical. La obra consta de Introducción, 3 Partes y Final.

Han sido tantas las representaciones de esta obra, que ha llegado a ser interpretada varias veces por el Coro Ciudad de Cehegín, acompañado de la Banda de la Sociedad Musical de la misma ciudad maravillense. Puede afirmarse que es una de las piezas corales más famosas del siglo XX. Descifrémosla un poco:

1- Introducción. Comprende dos números corales.

2- Primera parte. Integran la primera sección tres números cantados en latín. La segunda, cinco números.

3- Segunda parte. La taberna. Comprende cuatro números. Es la parte más vibrante y dramática de la obra. 

4- Tercera parte. Formada por nueve números, contiene los momentos de mayor sensualidad. El amor en todos sus aspectos.

5- Final. La obra termina como empieza. “O fortuna”.

-345-

SERGEI PROKOFIEV

Pedro y el lobo, op. 67

Narrador

JUAN PULIDO

Orquesta Nacional de París con

LORIN MAAZEL

Prokofiev es un ucraniano nacido en 1897 y fallecido 1953. Estudió en el Conservatorio de San Petersburgo. Cuando estalló la Revolución Rusa, salió de su país y estuvo por América y Europa. Más tarde se estableció en la URSS, el año en que España iniciaba su Guerra Civil. Su producción artística es muy numerosa. Se le ha llamado “el cubista de la música”. Esta obra que nos ocupa es un cuento sinfónico, escrito para enseñar a los niños a distinguir los sonidos de los distintos instrumentos de la orquesta. Es de 1936 y se estrenó el 2 de mayo.en Moscú. 

^

Sinfonía n. 1 en Re mayor, op. 25

-CLÁSICA-

Orquesta Filarmónica de Dresde con

KURT MASUR

Concluida esta obra en 1917, se estrenó en San Petersburgo el 21 de abril de 1918. Era una respuesta del autor a aquellos que lo tachaban de modernista. Son sus movimientos:

1- Allegro. Está estructurado como una sonata.

2- Larghetto. De gran elegancia, con reaparicón del tema en forma de rondó.

3- Gavota.

4- Finale molto vivace. En forma de sonata.

-346-

IGOR STRAVINSKY

El pájaro de fuego

Orquesta Filarmónica de Londres con

BERNARD HAITINK

Stravinsky nace en 1882 y muere en 1971. Es uno de los compositores más relevantes del siglo XX. Plasmó en su obra las diversas corrientes musicales de su tiempo. Nunca se consideró un músico del futuro, como muchos le definían. Con esta obra de “el pájaro de fuego”, de 1910, se impuso en el mundo occidental. De hecho, fue estrenada en el Teatro Nacional de París el 25 de junio de  ese año citado. Su argumento es propio de un cuento para niños: Un príncipe va a cazar y se introduce en tierras de un malvado “inmortal”. Se encuentra con un pájaro extraordinario al que captura, pero misericordiosamente lo deja en libertad. En gratitud, este pajaro le ayudará a vencer las asechanzas del enemigo, hasta el punto de poder llegar a casarse con la princesa más hermosa.

La obra consta de dos cuadros y 18 números perfectamente unidos.

-347-

IGOR STRAVINSKY

La consagración de la Primavera

Orquesta Filarmónica de Londres con

BERNARD HAITINK

Muchos consideran que esta obra es el inicio de la música contemporánea. La idea le viene en la danza que una virgen hace, tras saber que ha sido ofrendada en sacrificio. La partitura quedó terminada en 1912. Su estreno provocó uno de los mayores escándalos registrados en un teatro. Ese teatro era el de los Campos Elíseos de París, el 29 de mayo de 1913. La obra está dividida en dos partes. La primera, la adoración de la tierra, consta de introducción y ocho números; la segunda, el sacrificio, comprende introducción y cinco números.

-348-

IGOR STRAVINSKY

Sinfonía de los Salmos

Voces masculinas del Coro Académico Ruso

Orquesta Filarmónica de Moscú con

IGOR MARKEVITCH

Obra de 1930, la parte vocal está escrita para voces masculinas: hombres y niños. Los textos proceden de la Biblia. Concretamente, el Salmo 38, 13-14; el Salmo 39, 2-4; y el Salmo 150 en su integridad. Se estrenó el 13 de diciembre del año de su composición.

*

Petrushka

Orquesta del Concertgebow de Amsterdam dirigida por 

HANS ROSBEAUD

Es una pieza orquestal en la que el piano tiene un papel destacado. La acabó de componer a finales de de abril de 1911. Se estrenó el 13 de junio de ese año. Tiene cuatro cuadros:

1- Plaza de San Petersburgo en las fiestas de Carnaval. Ambiente de feria: borrachos, organillero, bailarinas, nodrizas, niños, cocheros, .. Y las marionetas: “Petruska, el moro y la bailarina.

2- Las marionetas tienen sentimientos humanos. Petruska se enamora de la Bailarina, pero ésta le ignora.

3- El “moro” seduce a la bailarina. Petruska se enfrenta al moro, pero es expulsado.

4- La alegría de la feria queda interrumpida por la persecución del moro a Petruska, dándole muerte. Hay alboroto, apaciguado pro el mago de las marionetas, pero el espectro del muñeco Petruska le amenaza desde arriba.

-349-

DMITRI SHOSTAKOVICH

Sinfonía n. 5 en Re menor, op. 47

Orquesta Sinfónica de Londres con

WITOLD ROWICKI

Este otro compositor ruso nace en 1906 y viene a fenecer en 1975. Es el primer gran compositor de la Rusia soviética, formado por la Revolución y para la Revolución. Los demás grandes compositores rusos se habían formado en la época zarista. Honores y criticas acompañaron a Shistakovich. Esta sinfonía que nos ocupa es la respuesta a una de esas críticas oficiales del Soviet. Se estrenó en Leningrado el 21 de noviembre de 1937. 

Estos son sus movimientos:

1- Moderato. Tema trágico que crea una atmósfera inquietante. 

2- Allegretto. El clarinete introduce un tema gracioso y saltarín.

3- Largo. Extenso, sin instrumentos de metal. 

4- Allegro non troppo. El metal reaparece de forma brillante. Apoteosis final.

-350-

OLIVIER MESSIAEN

Cuarteto para el fin de los tiempos.

VERA BETHS, violín

GEORGE PIETERSON, clarinete

ANNER BIJLSMA, violoncelo

REINBERT DE LEEUW, piano

Messiaen nació en 1908, en Avignon (Francia). A los 11 años ya era alumno del Conservatorio de París, donde estudió órgano y composición. Músico multipremiado, fue organista de la Iglesia de la Trinidad de París. Supo de la persecución nazi y de cautiverio en campos de concentración. 

Dos aspectos definen la obra de este autor francés: su profundo catolicismo, manifestado en todas sus obras, y su gran conocimiento del canto de los pájaros, como muestra este Cuarteto. Está inspirado en Apocalipsis 10, 1-7. Se estrenó en el mismo campo de concentración en que estaba preso, ante 5.000 prisioneros, un frío 15 de enero de 1941, con el propìo autor al piano. Otros tres presos completaban el “cuarteto”: Jean Le Boulaire (violín), Henri Akoka (clarinete) y Ethienne Pasquier (violocelo). Para perpetua memoria.

Esta obra está dividida en ocho movimientos, que el mismo autor comenta: Siete es el número perfecto: la creación en seis días santificada por el sábado divino. El siete de este reposo se prolonga en la eternidad y se convierte en el ocho de la luz inextinguible y de la inalterable paz. 

1- Liturgia de cristal. 

2- Vocalización para el ángel que anuncia el fin de los tiempos.

3- Abismo de los pájaros.

4- Intermedio.

5- Loa a la eternidad de Jesús.

6- Danza del furor para las siete trompetas.

7- Confusiones del arco iris para el ángel que anuncia el fin de los tiempos.

8- Loa a la inmortalidad de Jesús.

*

Este estuche sonoro se cierra con música de Purcell

*

NOTA

Hasta aquí, y desde la cinta magnética n. 251, hemos ido viendo, completa, la colección emitida por la Casa Philips sobre LOS GRANDES COMPOSITORES, según publicación de la Editorial Salvat.

A partir del n. 351, vamos a ir viendo una serie de archivos sonoros sobre LOS GRANDES TEMAS DE LA MÚSICA. Llegaremos, así, hasta el n. 390. De modo que, vamos a hacer hincapié en el aspecto puramente musical, aunque los demás datos se reflejen de pasada. Nos queda mucho, muchísimo, por revisar, y tendremos tiempo, si Dios quiere, de expresar más sentimientos y conocimientos sobre este “tesoro” que estamos redescubriendo.

*

-351-

SINFONÍA N. 9 EN RE MENOR, OP. 125

-CORAL-

Como ves, estamos ante la obra más laboriosa del sordo genial, Beethoven. Se sentía atraído por dar una forma musical a la Oda a la Alegría de Schiller, la cual coloca en esta Sinfonía como síntesis y coronación. El mismo Schiller decía que la poesía alemana se encaminaba naturalmente hacia la música. Hasta el mismo Wagner reconocía que la música instrumental no podría realizar nuevos progresos sino aliándose con el drama.

Es asombrosa la intervención del Walter Berry en el inicio de la parte coral la Novena de Beethoven. Le acompañan, como soprano, Gandula Janowizt; como contralto, Hilde Roessel Majdan; y, como tenor, Waldemar Kmentt. A estos solistas se añade el Coro Singverin de Viena y la Oquesta Filarmónica de Berlín, dirigidos todos por Herbert von Karajan. 

La maleabilidad técnica de un tema lapidario, basado en una vertebración rítmica y melódica del acorde de “re menor”, tiene la capacidad de fundamentar todo el primer movimiento. Por otra parte, estrechas relaciones de tonalidad, ritmo y temática derivan hacia el desarrollo del segundo movimiento. Así, hasta llegar al tercero, que está construido con más sutileza, pasando del adagio al andante como estrofas entrecruzadas de un mismo poema, llegando al “presto” del cuarto movimiento, con cien compases de introducción. Cuando las voces intervienen, la música, toda la música del mundo, da un giro copernicano hacia este hombre llamado Ludwig van Beethoven, sin cuya música el mundo que habitamos sería mucho más desgraciado.

-352-

SUITE DEL GRAN CAÑÓN

Ferde Grofe, que había nacido en 1892, y muerto en 1972, nos lleva de la mano a una música que, desde él, puede llamarse culta y popular a un tiempo, superando la dicotomía del Romanticismo, donde al pueblo no le quedaba más que hacer folclore, incapacitado para pasearse de la mano con aquellos genios inaccesibles. No es extraño, por tanto, que esta obra alcanzara tanta popularidad. Se puede ver con la imaginación lo que va describiendo: el Gran Cañón del Colorado, el burro, la fuente, el caminar rítmico, el amanecer con el piar de los pájaros, el desierto, el ocaso, la tormenta… la vida rural transformada por la inspiración de la más espiritual de las artes. 

En este registro está la interpretación de la Orquesta Eastman Rochester, dirigida por Howand Hanson.

*

LA ÚLTIMA NOCHE DE LOS CONCIERTOS PROMENADE

Hablando de música culta y música popular, los Conciertos Promenade son un buen ejemplo, junto con la obra anterior, de auténtica simbiosis. Sobre todo, el la sesión de clausura, cuando el director, en este caso Sir Colin Davis, hace participar al personal oyente de aquella celebración que los músicos y cantores ejecutan. Se sabe que estos “conciertos” se celebran en Londres, concretamente, en Royal Albert Hall, desde 1895. Lógicamente, el repertorio debe estar acorde con las exigencias populares, sin desdeñar lo más culto y clásico. Tal es el caso de esta grabación en directo, que se inicia con el griterío alegre de la multitud, que se inicia con HAIL, ALL TO THE QUEEN., que todos cantan acompañados por la BBC Society. Canto este que forma parte de la ópera LOS TROYANOS DE Berlioz.  Igualmente, la marcha de POMPA Y CIRCUNSTANCIA, comentada más arriba, de Elgar. El público la canta enfervorizado. O esta interpretación coral de EL MURO DE PIEDRA, de Malcolm Williamsoon, nacido en 1931. Se trata de un fragmento de una miniópera que exalta la lucha inglesa contra los invasores vikingos. Sir Colin Davis habla al público y les hace reír y gritar entusiastas. Y les afina la voz para hacerles cointerpretar el pasaje anterior. Bonito, realmente. 

RULE BRITANNIA! Es como un segundo Himno para los ingleses. Su autor es Thomas ARNE, que nació en 1710 y murió en 1778. Esto es parte de su ópera ALFRED, estrenada en 1740. El entusiasmo del público es casi apoteósico, y lo canta respondiendo a los solos de la soprano solista.

Viene, luego, JERUSALEM, partitura de Hubert Parry (1848-1918). Pieza coral sobre un texto de William Blake, cuya popularidad se debe por igual a su música y al sentido cívico y patriótico que le suelen dar los británicos.

Finalmente, en la clausura de estos Conciertos Promenade está el Himno DIOS SALVE A LA REINA, que afirma poderosamente la tradición inglesa.

-353- 

FORMAS MUSICALES LIBRES

Debemos entender como tales aquellas piezas, más bien breves, en que sus autores han puestos su genial inspiración cual si se trataran de complejas obras de orquestación o de polifonía. Y aquí tenemos unos ejemplos maravillosos en este sentido expuesto. 

En primer lugar, el famoso ADAGIO DE Tomaso Albinoni, para órgano y cuerdas, en Sol menor, en un arreglo de Remo Giazotto sobre fragmentos originales y atribuidos al músico que nació en 1671 y falleció en 1751. No es nada extraño que se haya hecho tan conocido entre los melómanos. La interpretación se debe a la Orquesta De Cámara de Stuttgart, dirigida por Kart Münchinger.

En segundo lugar, la bagatela PARA ELISA , de Beethoven, interpretada al piano por Joseph Cooper. Su interpretación nos redime del pecado de escuchar esta pequeña genialidad a los pianistas principiantes. Como suele suceder, lo aparentemente sencillo resulta complicado para los que apenas saben.

En tercer lugar, ESPAÑA, de Alexis Emmanuel Chabrier, nacido en 1841 y muerto 1894. Compuesta en 1883, es un poema sinfónico de notable influencia hispano-francesa. Su ritmo de danza la ha hecho archiconocida en el mundo de la música, elevando a su autor a la mejor representación de la música francesa de finales del siglo XIX. Interviene la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, dirigida por Jesús López Cobos.

En cuarto lugar, ISLAMEY, de Mili Alexejevich Balakirev, nacido en 1837 y muerto en 1910. Es una fantasía oriental interpretada al piano por Julius Katchen. Es evidente el virtuosismo que encierra, haciéndola imperecedera.

En quinto lugar, el PRELUDIO OP. 3, N. 2, de Rachmaninov. Se luce aquí, al piano, Vladimir Ashkenazy. Solitario romanticismo que termina por someterte a sus encantos, mostrando, al tiempo, las capacidades casi orquestales de un instrumento de teclado. Cautivador, sin duda. 

En sexto y último lugar, la melodía tradicional inglesa GREENSLEEVES, de Ralph Vaughan Williams (1873-1910). Un sugestivo contraste con lo anterior, en versión de la Academy of Saint Martin in the Fields, a las órdenes de Neville Marriner. Estupendo colofón a este estuche sonoro.

-354-

PEQUEÑAS FORMAS MUSICALES

RAPSODIA RUMANA EN LA MAYOR, OP. 11, N. 1, de George Enescu (1881-1955). 

Esta breve obra es una aportación al folclore de su país. Se sitúa entre el temple nórdico, el gusto francés y la música popular rumana. Enescu fue maestro del gran violinista Yehudi Menuhin. La interpreta la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Antal Dorati.

RAPSODIA SUECA OP. 1, N. 19, de Hugo Alfven (1872-1960). Lleva como título NOCHE DE SAN JUAN. Ritmos y melodías para describir una animada escena de una fiesta popular sueca. Como en la anterior, el folclore es la fuente de inspiración. Esta vez, en versión de la Orquesta Sinfónica de Viena, bajo la batuta de Divin Fjeidstad.

MOMENTO MUSICAL N. 5 EN FA MENOR, de Franz Schubert (1797-1828). 

Al piano, Alfred Brendel. Forma parte de una infinidad de pequeñas composiciones, todas ellas de sorprendente inspiración. El placer que proporcionaron a los de su tiempo se perpetúa en toda época, máxime en esta tan necesitada de espiritualidad.

ROMANZA SIN PALABRAS, OP. 62, N. 6, Y OP. 67, N. 4, de Félix Mendelssohn (1809-1847). Llevan como subtítulos “canción de primavera”· y “canción de la hilandera”. Pertenecn a una colección de ocho cuadernos escritos desde 1829 hasta 1845. Es el romanticismo en su quintaesencia. Aquí están interpretadas por  Werner Haas, al piano.

ARABESKE EN DO MAYOR, OP. 18, de Robert Schumann (1810-1856). 

Es un rondó de altísima belleza e inspiración poética, que alterna con los tonos menores. El español Claudio Arrau la interpreta al piano.

INTERMEZZO EN SI MENOR, OP. 119, N. 1, de Johannes Brahms. 

Son sesenta y siete compases de una personalidad arrebatadora, en que el pianista Stephen Bishop Kovacevich nos lleva a una sala de conciertos en que sobra toda otra instrumentación orquestal.

NOCTURNO N. 10 EN LA BEMOL MAYOR, OP. 32, N. 2, de Federico Chopin. 

Al piano, Claudio Arrau. Estamos ante una sensación ambiental de una poesía crepuscular, nostálgica y evocadora, donde música y alma se funden amorosamente. ¡Pensar que Chopin sólo vivió 39 años! La mayoría del mundo supera esa edad en la más ridícula mediocridad.

PRELUDIO DEL LIBRO 1º: LA FILLE AUX CHEVEUX DE LIN, de Claudio Debussy (1862-1918). El pianista Werner Haas nos lo muestra sugerente, impresionista, antirromántico, que prepara el neoclasicismo del siglo XX.

-355-

SUITE N. 3 EN DO MAYOR, BWV 1009, de Juan Sebastián Bach (1685-1750). 

Maurice Gendron nos ofrece una de las seis compuestas para violoncelo solo, donde, a través de sus movimientos –preludio, allemande, courante, zarabanda, bouree y Giga- nos ofrece la personalidad del propio Bach, que mantuvo una identificación entre la vida litúrgica y la vida diaria, toda vez que pensaba que el Arte sólo puede proceder de lo Dios, a cuyo gloria todo debe realizarse. A ese respecto, recuerdo la humildad de aquel solista de celo de la Orquesta Nacional, Alvaro Quintanilla, a cuya casa me invitaba para que fuera escuchando su ensayo sobre estas suites. Esto también es oración, decía. Cada domingo nos encontrábamos en la Misa de Nuestra Madre del Dolor, en la que yo cantaba placenteramente.   

*

SUITE DE EL AMOR DE LAS TRES NARANJAS, OP. 33, de Prokofiev. 

Ya sabes que la “suite” es un compendio de las partes sinfónicas de una ópera o de un ballet. Esta obra la trabajó entre 1918 y 1922. Esta suite abarca seis cuadros: 

Los ridículos

Escena infernal

Marcha

Scherzo

Los príncipes

La huída.

Aquí está interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres, con Antal Dorati.

SUITE ESCITA, OP. 20, N. 1, del mismo Prokofiev y por los mismos intérpretes. Se trata de la versión sinfónica de “Ala et Lolly”. Se estrenó el 29 de enero de 1916, en Petrogrado. Dinamismo desenfrenado, excepto en el movimiento tercero, en que cuerdas, madera y piano nos evocan la noche.

-356-

SONATAS PARA CLAVICÉMBALO

*

Las siete siguientes, que son de Domenico Scarlatti (1685-1757), las dedicó a la princesa María Bárbara de Portugal, futura esposa de Fernando VI de España. Se sitúan entre la sonata instrumental de Corelli y la sonata clásica. Helas aquí. Están interpretadas por Blandine Verlet.

SONATA EN DO MAYOR, K. 460. Lapidaria objetividad diatónica y discreto subjetivismo.

SONATA EN DO MAYOR, K. 461. Ritmo ternario y galantería. Escalas en movimiento contrario y acordes desdoblados, precursores de Clementi y Mozart.

SONATA EN RE MENOR, K. 9. Pastoral. Simplicidad perfecta y sugerente.

SONATA EN MI MENOR, K. 402. Tranquilidad que invita a la contemplación.

SONATA EN DO SOSTENIDO MENOR, K. 403. Compás de 6/8 dinámico y en dos voces.

SONATA EN FA MAYOR, K. 446. Escrita En ritmo siciliano de 12/8, con el sobrenombre de “Pastoral”.

SONATA EN MI MAYOR, K. 206. Una de las más largas de Scarlatti, porta en sus voces de clave una latente polifonía.

*

Las siguientes sonatas son del P. Antonio Soler (1729-1783), religioso, que entró como cantor desde muy pequeño en Monserrat, y de mayor fue organista de El Escorial. La influencia de Scarlatti es evidente. Las interpreta Rafael Puyana. Y son éstas:

SONATA EN FA SOSTENIDO MAYOR. Motivo reiterado tres veces en síncopas y contratiempos.

SONATA EN DO SOSTENIDO MENOR. ¿Llegó a inspirarse en ella Albéniz para su “puerto” de la suite Iberia?

SONATA EN RE MAYOR. Ritmo y danza que recuerdan a la anterior y, aparentemente, más scarlatiana.

SONTA EN RE BEMOL MAYOR. Requiere un doble teclado y el cruce de manos.

SONATA EN RE MENOR. Responde al efecto arcaico de la música religiosa.

SONATA EN DO MENOR. Inicio fugado que parece perpetuarse irrealmente.

-357-

GRANDES SONATAS

*

SONATA N. 32 EN DO MENOR, OP. 111, de Beethoven. 

Es su última sonata para piano y la compuso en 1822. Trasciende todo dogmatismo académico. Las variaciones escapan del dominio de la “sonata”. Simple y simétrica, prefigura la frontera de sus transformaciones. La repetición del tema es como un adiós o una bienvenida, donde el músico alemán muestra su genialidad. Se abre con majestad y se cierra en un adagio sencillo y cantable, donde el pianista Claudio Arrau muestra lo mejor de sí mismo.

SONATA PARA PIANO EN SI MENOR, de Liszt. 

Está escrita en 1853. Parece romper con Beethoven y se muestra afín con la estética del romanticismo imperante. Da la sensación de querer sobrepasar los límites sonoros del teclado. Dos temas principales y otros dos secundarios que se suman a los primeros. Tras lentos compases introductorias, el tema húngaro. Se precisa el virtuosismo de Arrau para su mejor interpretación. Una aceleración global del ritmo define la el final de esta sonata que llega exhausta en un “lento assai” en que muere.

-358-

SONATA PARA ARPEGGIONE Y PIANO EN LA MENOR, D. 821, de Schubert.

 La interpretan al celo y piano Mstislav Rostropovich y Benjamín Britten, respectivamente. Una grabación de lujo para una partitura compuesta en 1824, de entrañable atractivo por su espontaneidad melódica. Consta de tres movimientos: Allegro moderato, adagio y allegretto. Hay una sugerencia hacia los lieder, en el que Schubert era maestro indiscutible. Sólo su empiece nos invita a escuchar, irreal, una voz humana.

SONATA PARA VIOLÍN Y PIANO EN LA MAYOR, de Cesar Franck, con Itzhak Perlman al violín y Vladimir Ashkenazy al piano. 

Esta sonata, en sus cuatro movimiento, ofrece un ejemplo de la influencia ejercida en su autor de genios como Wagner y Liszt, aun siendo mayor que ellos en edad. La sonata está basada en tres ideas generadoras, yendo de lo más simple a lo más complejo, y siendo fuente de las más grandes libertades de forma. Alguien ha escrito que es la culminación histórica del estilo beethoveniano. 

-359-

MÚSICA EN ESTADO PURO

*

TRÍO EN SI BEMOL MAYOR, OP. 97 –“ARCHIDUQUE”-, de Beethoven. 

Con Mierczyslaw Horszowski, al piano; Sandor Vega, al violín; Pau Casals, al violoncelo. Registro histórico, por tanto. Compuesto en marzo de 1811. Dedicado al archiduque Federico de Austria. Se estrenó el 11 de abril 1814. Es el más extenso, laborioso y atractivo de su autor. Tiene cuatro movimientos:

1- Allegro moderato. Afinidad con el “triple concierto”. Diálogo cadencial de los tres instrumentos.

2- Scherzo. La creación personal de Beethoven. Lo elegante y cortesano pasa a lo rústico y popular. Asombra su modernidad.

3- Andante cantabile. Cinco variaciones sobre 28 compases del tema. 

4- Allegro y Presto. Enlaza con las variaciones y forma un rondó poderosamente enriquecido.

-360-

CUARTETO N. 10 EN MI BEMOL MAYOR, OP. 74 –“LAS ARPAS”-, de Beethoven. 

Lo interpreta el Cuarteto Italiano. Lo escribe entre 1805 y 1810. El compositor interioriza su experiencia personal. Este cuarteto está entre las formas más adultas del pensamiento musical de todos los tiempos. El uso de los “pizzicati” dan origen al sobrenombre que lleva. Consta de cuatro movimiento: Allegro, Adagio, Presto y Variaciones.

*

CUARTETO PARA CUERDA N. 6, de Bela Bartok. 

Es el último de los “cuartetos” escritos. Ecléctico como toda su obra. Compuesto en 1939, en Estados Unidos. Su clima depresivo viene determinado por los acontecimientos de la II Guerra Mundial y por el fallecimiento de su madre. Sus cuatro movimientos, casi beethovenianos, evidencia una forma musical perfectamente clara. Hay que destacar la sutileza de la cuerda, casi única en la música del siglo XX. Lo interpreta el Cuarteto Novak.

-361-

QUINTETO PARA PIANO Y CUERDA EN LA MAYOR, OP. 114, d. 667 –“LA TRUCHA”-, de Schubert. 

Una de sus obras más extensas y espontáneas. Estamos en 1817. Respira la alegría incondicionada de la juventud. Posee dos notables características: la una, su reparto instrumental; en realidad, es un cuarteto de cuerdas con piano. La otra, su sucesión de tonalidades y cambios de armadura. Tiene cinco movimientos:

1- Allegro vivace. El tema principal se debe al estilo del “lied”. Pasaje dinámico.

2- Andante. Inspirador de pensamientos graves, de meditación y tristeza, en compás de ¾. 

3- Scherzo. Extremadamente vertiginoso.

4- Andantino. Es un tema con variaciones. 

5- Finale allegro. Lírico y espiritual, de una claridad absoluta. 

Interpretan esta obra Samuel Rhodes (viola), Georg Hortnagel (contrabajo) y el Trío Beaux Arts.

*

Pero el cassette se cierra con música radiofónica.

-362-

GRANDES PARTITURAS

*

SINFONÍA N. 9 EN DO MAYOR, D. 944 –“LA GRANDE”-, de Schubert. 

Escrita en 1928. Es la más extensa y personal de su autor. Se estrenó en 1839. Romántica y clásica a un tiempo, está intentando mostrar la personalidad del compositor y la admiración por Beethoven. He aquí sus movimientos:

1- Allegro ma non troppo. Le preceden ochenta compases en “andante”. 

2- Andante con moto. Es como un inmenso lied de trescientos ochenta compases llenos de románticos contrastes.

3- Scherzo. Estructurado en tres partes. Casi precursor de Bruckner. 

4- Allegro vivace. Más de mil compases dominados por un sentido intenso de la vitalidad. 

SINFONÍA N. 5 EN SI BEMOL MAYOR, D. 485, de Schubert.

Como la anterior, aquí está interpretada por la Orquesta del Estado de Dresde, bajo la dirección de Wolfgang Sawallisch. Es un retorno a los esquemas de sus primeras sinfonías, más influidas por Haydn y Mozart. Es una pena que sólo esté registrado en esta cinta el primer movimiento. No es culpa personal.

-363-

SINFONÍA N. 5 EN MI MENOR, OP. 64, de Tchaikovky.

Me resulta embarazoso hablar de esta “sinfonía”, como de la cuarta o la sexta. Difícilmente se hallará una trilogía sinfónica de tanta belleza, de tanta humanidad, de tanto sentimiento, de tanto romanticismo, que colocan a Tchakovski fuera del Grupo de los Cinco, pero muy superior a todos ellos. ¿Se le podrá comparar la tetralogía sinfónica de Brahms? Es cuestión de gustos. También con el alemán hay que quitarse el sombrero. Dicen que los cuatro tiempos de esta quinta sinfonía reflejan cuatro episodios de la impotencia espiritual del hombre. Puede ser. A mí me producen una hondísima impresión. Y cada día más. Prácticamente, me la sé de memoria. El “andante” del segundo movimiento es de antología. Jamás la trompa cantó con tanta belleza. La danza preferida de Tchaikovsky es el vals, y eso es el tercer movimiento. Pero no es fácil bailar cuando los sentidos se quedan enajenados. Por fin, el “andante maestoso” del cuarto movimiento cierra una de las obras humanas más cercanas a la divinidad.

La versión registrada en ésta es la de la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam, dirigida por Bernard Haitink.

*

SINFONÍA N. 2 EN SI MENOR, de Borodin.

Escrita entre 1880 y 1876, ofrece una imagen de la vieja Rusia a través de efectos melódicos, orquestales y tímbricos. No es Tchaikovsky, pero tampoco hay derecho a que sólo tengamos aquí el desarrollo del primer movimiento. ¡Qué le vamos a hacer! Lo  toca la Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo, dirigida por Roberto Benzi.

*

El cassette se cierra con música de Haendel

-364-

SINFONÍA N. 8 EN SOL MAYOR, OP. 88, de Dvorak.

Alguien ha debido escribir que esta Sinfonía debiera llamarse “del viejo mundo”, por su temática bohemia y espíritu rapsódico y popular. Ejemplo singular de lo dicho es el tercer movimiento, aquí registrado, en interpretación de la Orquesta Filarmónica de Viena, comandada por Herbert von Karajan. 

SINFONÍA N. 5 EN MI SOSTENIDO MAYOR, OP. 82, de Sibelius.

Ésta sí está completa en la cinta. Sibelius compuso siete sinfonías. Le sirvieron de motivo e inspiración los paisajes y las fuerzas de la Naturaleza. Esta partitura la escribió en 1915, en su cincuenta cumpleaños. Fue un autorregalo. Aquí está la versión para tres movimientos que el mismo Sibelius dejó preparada en 1919.  

1- Molto moderato. 

2- Andante mosso. Variaciones sobre un tema simple. 

3- Allegro molto. Uno de los pasajes más famosos de su autor.

Interviene la Orquesta Filarmónica de Viena, bajo la dirección de Lorin Maazel. 

SINFONÍA N. 5, OP. 50, de Cral Nielsen (1865-1931). 

Música casi moderna, sin escuela de la que depender. Nielsen compuso seis sinfonías. De ésta, solo dos movimientos: el adagio non troppo y el allegro ternario..

Los versiona la Orquesta de la Suisse Romande, dirigida por Paul Kletzki.

-365-

CONCIERTO PARA ORQUESTA, de Witold Lutoslwsky.

Nació en 1913. Es la figura más representativa de la música polaca del siglo XX. Escribe este concierto en 1954. Es una síntesis de estilos al servicio de los cuales pone una gran orquestación. Dividido en tres tiempos, el primero es un allegro maestoso; el segundo, vivace, es un capricho nocturno de refinado impresionismo.; el tercero está subdividido en passacaglia, tocata y corale.

Lo interpreta la Orquesta de la Suisse Romande, dirigida por Paul Kletzki.

SINFONÍA “MATÍAS EL PINTOR”, de Paul Hindemith (1895-1963.

En realidad es una ópera que le es inspirada por la vida del pintor alemán Mathis Grünewald, del siglo XVI. Se conservan tres tablas de dicho pintor, que dan título a los movimientos de esta “sinfonía”: Concierto angélico, el Santo Entierro y las Tentaciones de San Antonio. Casi al final de la obra se percibe la antífona gregoriana “lauda Sion Salvatorem”.

Interviene la misma orquesta anterior.

-366-

GRANDES CONCIERTOS

*

CONCIERTO PARA CLAVICÉMBALO N. 1 EN RE MENOR, BWV 1052, de Juan Sebastián Bach.

Es seguramente el más conocido de los escritos para este instrumento. Muestra un arte erudito y profundo. Aunque de la época de Leipzig, es difícil saber en qué año exacto lo escribió. Estos son sus movimientos:

1- Allegro. Estrecha relación entre solista y orquesta, que muestra un constante devenir.

2- Adagio. Sombrío y elaborado fraseo del clave.

3- Allegro. Impulso vital y estimulante. Nos recuerda al “concierto de Brandenburgo n. 5”.

Son intérpretes el clavecinista George Malcolm y la Orquesta de Cámara de Stuttgart, dirigidos por Kart Münchinger.

CONCIERTO CAMPESTRE, de Francis Poulenc (1899-1963).

Escrito entre 1927 y 1928. Pertenece al estilo francés llamado de “entreguerras”. Comienza con 21 compases de introducción orquestal que dan paso al clavecín. Después, la orquesta, en equilibrio con la parte solista, subraya el clima pastoral del concierto. Por último, se trasluce un clima vital que remeda a la música de Scarlatti.

Lo interpreta la Academy of Sanit Martin in the Fields, acompañando al solista del concierto anterior, y dirigidos por Iona Brown.

-367-

CONCIERTO PARA PIANO N. 3 EN DO MAYOR, OP. 26, de Prokofiev.

Iniciado en Rusia, entre 1913 y 1916, el concierto lo completó en Francia en 1921. Se estrenó en Chicago ese mismo año. Pero su triunfo americano fue efímero. Comienza con una breve y mágica introducción de la que se desprende una dulce melodía confiada al clarinete. Luego, el segundo tiempo, hay cinco variaciones sobre la misma melodía. Finalmente, el contrabajo adquiere protagonismo melódico hasta terminar.

Julios Katchen, al piano, interviene con la Orquesta Sinfónica de Londres, dirigida por Istvan Kertesz.

CONCIERTO PARA PIANO N.3, de Bela Bartok.

Escribió esta obra en el verano de 1945, ya muy enfermo. De hecho, los últimos 16 compases son de su amigo y alumno Tibor Serly. Se estrenó en Filadelfia, en 1946. Tiene un lenguaje transparente y mágico. La fluidez orquestal parece motivarse en lo religioso. 

Comienza en forma de sonata por violines y violas, preparando la entrada del piano. El segundo tiempo es un adagio religioso en forma ternaria. El viento entona una coral con arabescos del piano. Por último, un rondó, en allegro vivace, prepara el fugado del piano solo. 

Está en la versión de los mismos intérpretes anteriores.

-368-

CONCIERTOS PARA CUERDA

*

CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA N. 5 EN LA MAYOR, K. 219, de Mozart.

Es el último de los compuestos en este género. Hay una libertad suprema en el tratamiento de los temas. Crea problemas formales y los soluciona genialmente. Va haciendo desdoblamientos de los acordes de tónica y de dominante, hasta llegar al adagio del segundo movimiento que, sin duda, es una de las más bellas páginas mozartianas, evocadora de aguas cristalinas y policromía floral. El tercero es un “rondó” que desemboca en exultante humor.

Lo versiona el violinista David Distrakh con la Orquesta del Estado de Dresde, bajo la dirección de Franz Konwitschny.

CONCIERTO PARA VIOLONCELO EN LA MENOR, OP. 129, de Schumann.

Es una fantasía romántica de tres movimientos encadenados. Tienen calidad, cordialidad y calor humano. Se escribió en 1850. Empieza con un tema, romántico y lleno de nostalgia. El movimiento central es una simple preparación del final de la obra, donde violocelo y orquesta se fusionan estrechamente despertando en el oyente la contemplación, la pasión, el ensueño o el dolor.

Aquí lo tenemos interpretado por Rostropovich con la Orquesta Filarmónica de Leningrado, bajo la batuta de Gennadi Rozhdestvenski.

CONCIERTO PARA CONTRABAJO, de Hans Werner Henze.

Este compositor y director nació en 1926. Es uno de los principales compositores alemanes de su generación. En este “concierto” hace una explotación exhaustiva de las capacidades del más grave instrumento de cuerda. Aquí lo toca Gary Karr con la Orquesta de Cámara Inglesa, llevada por el propio autor. Solamente está el primer movimiento, que es un moderato cantabile.

-369-

CONCIERTOS PARA DIVERSOS INSTRUMENTOS

*

CONCIERTO PARA VIOLÍN, VIOLONCELO Y ORQUESTA EN LA MENOR, OP. 102, de Brahms.

Compuesto en 1887, es la última obra sinfónica de Brahms. Y es una verdadera sinfonía para instrumentos concertantes. Densa orquestal y polifónicamente, se la consideraba casi inaccesible. Brahms sintetiza en su obra las dos tendencias de su época: el clasicismo sinfónico y el romanticismo. Consta de tres movimientos, que interpreta la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig, a las órdenes de K. Masur.

CONCIERTO EN RE MAYOR PARA 3 TROMPETAS, TIMBALES, 2 OBOES, CUERDA Y BAJO C ONTINUO, de Telemann.

En la cinta está registrado solamente el “cuarto movimiento”, que es una fuga instrumental de proporciones definidas y diáfana claridad. Está interpretado por la Orquesta pro Arte de Munich, dirigida por K. Redel.

CONCIERTO PARA TROMPETA Y ORQUESTA EN MI BEMOL MAYOR, de Joseph Haydn.

Sólo tenemos aquí el primer movimiento, y está interpretado por la Academy of Saint Martin in the Fields, dirigida Neville Marriner.

EBONY CONCERTO, de Stravinsky. 

Fue escrito en California, durante 1946. De estilo absolutamente personal, quiere llegar a los más profundos secretos del espíritu del jazz. Sin embargo, se parece más a la “consagración de la primavera”. Dividido en tres breves movimientos, presenta una plantilla instrumental inusual. Con predominio del clarinete. La interpretación está a cargo del Conjunto de Viento Holandés, dirigido por E. de Waart.

-370-

CONCIERTO PARA OBOE, OP. 9, N. 2, de Tomaso Albinoni (1671-1751)

Estimado por Bach, había ejercido de maestro de canto. Este concierto responde al género de “sonata de iglesia”. Compuesto en RE MENOR, se adapta al tipo vivaldiano reinante, siguiendo, además, las pautas de Corelli.

Lo interpreta Sarah Barrington con la Orquesta Richard Hickox, dirigidos por éste.

CONCIERTO PARA PICCOLO, RV. 443, de Antonio Vivaldi (1678-1741)

Comparado con el anterior, el estilo de este concierto es inequívocamente instrumental. Tiene un sentido innato de la claridad formal y un personal lirismo lleno de fantasía. Estaba destinado a la variedad aguda de la flauta dulce, fácil para expresar los pasajes de cierta bravura.

Está escrito en DO MAYOR, y aquí lo interpreta William Bennet con la Academy of Sanit Martin in the Fields, dirigidos por Neville Marriner.

CONCIERTO PARA PIANO, TROMPETA Y ORQUESTA DE CUERDA, de Shostakovich.

Compuesto en 1933, supone la obra más divulgada de su período juvenil. Dividido en cuatro movimientos, el piano es el instrumento principal. Todo el concierto es una muestra de melodías con variaciones, no exentas de expresionismo y fanfarria, con cierta expresión triste y fatalista.

Aquí está en versión de John Ogdon (piano), John Wilbraham (trompeta) y la misma orquesta anterior bajo el mismo director.

*

Música en Radio Minuto

-371-

VARIACIONES Y FUGA SOBRE UN TEMA DE HAENDEL, OP. 24, de Brahms.

He ahí una fórmula para la comunicación de ánimos entre el intérprete y el auditorio. Fórmula muy usada en el siglo XIX. Esta obra la compuso en 1861 y la estrenó Clara, la mujer de Schumann. La obra cuenta con una exposición previa del tema y 25 variaciones, tras las que aparece la fuga. El tema deriva de la SUITE EN SI BEMOL MAYOR de Haendel.

Las interpreta Julios Katchen, al piano,

VARIACIONES PARA ORQUESTA, OP. 31, de Arnold Schönberg (1874-1951).

Escritas entre 1927 y 1928, suponen un hito en la evolución estética y formal de la música, superando elegantemente la teoría dodecafónica y la riqueza tímbrica de una orquesta en plenitud. Traducen espontaneidad y colorismo. El LARGO final recapitula todo el material empleado en la obra.

*

El cassette se cierra con Canciones de Hoy

-372-

EL CANON Y LA FUGA

*

CANON Y GIGA, de Johann Pachelbel (1653-1706)

Es una de las obras que más han llamado la atención a los amantes de la música. Escrita para 3 violines, violoncelo y clave, el CANON se desarrolla sobre un bajo continuo. La GIGA conserva una estructura similar, pero entrecruzando las voces sonoras.

Aquí están interpretados por el conjunto I MUSICI.

OFRENDA MUSICAL BWV 1079, de Bach.

Escrita para complacer a Federico II, es un “ricercare” a seis voces, que Bach completó en Leipzig. Pieza maestrra de esta “ofrenda musical” son los 205 compases de la composición fugada más extensa del siglo XVIII. El tema se lo propuso el mismo rey Federico II, una amplia melodía en blancas y negras.

La interpreta la Academy of Saint Martin in the Fields, dirigida por Neville Marriner.

EL CLAVE BIEN TEMPERADO: PRELUDIO Y FUGA N. 1, BWV 846, de Bach.

Una de las obras más importantes de Bach, para demostrar que era posible cualquier tonalidad sobre el teclado. La compuso en dos épocas diferentes. Consta de 48 preludios y fugas en todas las tonalidades posibles. Este n. 1 es de una gran simplicidad y fluidez, construido sobre un núcleo arpegiado. Se traslada a distintos niveles como por inercia y se enriquece con variadas modulaciones. Es un verdadero juego de superposiciones con 25 entradas repartidas en cuatro voces..

Lo interpreta Isolde  Ahlgrimm.

GRAN FUGA EN SI BEMOL MAYOR OP. 133, de Beethoven.

Obra de gran complejidad y aridez. Presenta un aspecto cíclico con tres partes diferenciadas y fugadas. Estos tres períodos se cierran con la presentación del tema primero y una vuelta al rigor formal.

La versiona la Academy of Saint Martin in the Fields, bajo Neville Marriner.

*

Acaba la cinta con una “canción” que es síntoma de la mediocridad reinante.

-373-

POEMA DEL ÉXTASIS, OP. 54, de Alexandro Scriabin (1872-1915).

Centró su atención en la música sinfónica, utilizando toda la paleta sonora de la orquesta. Esta obra la escribió entre 1905 y 1908. Da especial relevancia a la madera y al metal, reforzados por el tutti de la orquesta. Aunque no lo parece, está formado por varios bloques y su estructura recuerda la de la forma sonata tradicional: Prólogo, Exposición, Desarrollo, Recapitulación y Coda. 

La obra, en compás de 6/4, está versionada por la Orquesta de Cleveland, dirigida por Lorin Maazel.

KARELIA, SUITE, OP. 11, de Sibelius.

Hace referencia a la zona de Finlandia fronteriza, entonces, con la URSS. Está compuesta en 1933. Se inspira en temas históricos de esa región. Escrita para ocho movimientos, el propio autor los redujo a tres. Vigor, aire popular, lirismo y orgía sonora son el resumen de su desarrollo. Aquí está cargo de la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigida por el maestro anterior.

THE LARK ASCENDING, de Ralph Vaughan Williams.

Este autor, considerado uno de los más genuinos de la música inglesa del siglo XX, compuso esta obra en 1921. Es una partitura para orquesta con violín solista, que borda trinos y escalas para remedar el vuelo de la alondra, mientras la orquesta crea el clima pastoral sirviéndose de la madera y cuerdas. 

Interpretación de la Academy of Saint Martin in the Fields, bajo la dirección de Neville Marriner.

-374-

MÚSICA DESCRIPTIVA

*

PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO, de Debussy.

Los compositores siempre han tenido la tentación de imitar a la Naturaleza con su música. Fue compuesta con posterioridad al Impresionismo. Concretamente, en 1894. Es un poema orquestal que se desarrolla en las playas ardientes de Sicilia, hacia el ocaso. El fauno, cansado de perseguir a las ninfas, se ha tumbado a descansar bajo un árbol. La flauta es el instrumento principal.

Aquí está en versión de la Orquesta del Concertgebow de Amsterdam, que dirige Bernard Haitink.

EL CARNAVAL DE LOS ANIMALES: EL CISNE, de Camille Saint Saens.

Es el n. 13 de las catorce piezas que componen la obra completa. Es uno de los fragmentos más bellos e inspirados. Escrita para violoncelo y dos pianos, sugiere el tranquilo deslizarse de un cisne por las mansas aguas de un lago..

Interviene la Orquesta de los Conciertos Lamoureux, dirigida por Roberto Benzi.

FUENTES DE ROMA, de Ottorino Respighi (1879-1936).

Es un poema sinfónico que compuso en 1916, para describir cuatro fuentes de Roma:

 Fuente del valle Julia, al alba.

Fuente del Tritón, por la mañana.

Fuente de Trevi, por la tarde.

Fuente de la Villa Médicis, al anochecer.

Lo interpreta la Orquesta Sinfónica de Minneapolis, que dirige Antal Dorarte

AÑOS DE PEREGRINACIÓN, de Liszt.

Tres álbumes dedicados a sus viajes por Suiza e Italia. EL VALLE DE OBERMANN es el n. 6 del 1º de ellos. Época de pleno romanticismo. Un pasaje envuelto en luz gris, que predispone a la melancolía. 

JUEGOS DE AGUA EN LA VILLA D´ESTE es el n. 4 del 3º de los álbumes. El piano sugiere movimientos de agua.

Es intérprete el pianista Claudio Arrau.

JUEGOS DE AGUA, de Ravel.

Aunque inspirada en el murmullo de las aguas de fuentes y cascadas, Ravel se preocupa más del lenguaje pianístico que de la descripción en sí. 

Al piano, W. Haas.

-375-

EL LIED ALEMÁN

*

El LIED se generalizó en las tierras de habla alemana a finales del siglo XVIII. Mozart compuso canciones sobre textos de calidad. Forma culta que llegó a la perfección con Schubert.

DER ZAUBERER, K. 472, de Mozart. 

EL MAGO es una breve pieza de sólo diecisiete compases que se repiten cuatro veces. Está entre lo culto y lo popular.

DAS VEILCHEN, K. 476, de Mozart. 

LA VIOLETA es el único texto Goethe al que puso música. Trata de una humilde violeta que aspirar a  adornar el pecho virginal de una doncella. Pero ésta no ve la flor y la pisa sin querer. 

DIE ALTE, K. 517, de Mozart. 

LA VIEJA es una pieza ligeramente humorística en que la voz solista debe ser un poco nasal. 

ABENDEMPFINDUNG, K. 523, de Mozart.

SENTIMIENTO VESPERTINO es un hermosísimo lied. Tras meditar sobre la fugacidad, el poeta pide a su amada que derrame sobre la tumba la preciosa perla de una lágrima. Mozart lo hace de forma genial.  

HEIDENROSLEIN, OP. 3, N.3, D 257, de Schubert.

LA ZARZARROSA es de estructura estrófica simple. Esta basado en un texto de Goethe. La melodía procede de una canción campesina.

NAHE DES GELIEBTEN, OP. 5, N. 2, D 162, de Schubert.

PROXIMIDAD DEL AMADO está basado en un poema de Goethe, tiene un carácter profundo y solemne. Todo cuanto ve le recuerda al amante a su amada. De sólo seis compases, la melodía la repite frecuentemente.

DER EINSAME, OP. 41, D 800, de Schubert.

EL SOLITARIO canta los placeres de la soledad del hogar. El piano le va poniendo cote a su libertad.

AN SYLVIA, OP. 106, N. 4, D 891, de Schubert.

A SILVIA tiene como texto un poema de Shakespeare. 

SELIGKEIT, D 433, de Schubert.

Danza campesina y pegadiza en la que se inspira esta breve pieza.

MORIKE-LIEDER, de Hugo Wolf (1860-1903).

De los 53 lieder que compuso con letra del poeta alemán Eduard Mörike, aquí se hallan estos cinco, que son excelentes ejemplos de música descriptiva:

ENCUENTRO,  de dos antiguos enamorados en una calle.

LA MUCHACHA ABANDONADA, lied cargado de tristeza.

NIÑO JESÚS DURMIENDO, que es casi una nana.

A UN ARPA EOLIA, con notas de piano y voz evocadora.

AMOR INSACIABLE, reflejo personal del poeta.

LIEDER, de Richard Strauss (1864-1949).

ENSUEÑO EN EL CREPÚSCULO. El primero del op. 29. 

HA DICHO-NO SIGAS CON ESTO. Compuesto en 1898. Una joven recuerda las palabras de sus padres y su novio.

DÍA DE DIFUNTOS.  Casi operístico, en tono evocador y amoroso.

SERENATA. Lied alegre, casi picaresco.

Intérpretes de todo ellos, en esta cinta, ELLY AMELING, soprano, y DALTON BALDWIN al piano.

-376-

LA CANCIÓN MODERNA

*

DES KNABEN WUNDERHORN, de Mahler.

De las 12 canciones que componen esta obra, aquí se registran estas tres:

PREDICACIÓN DE SAN ANTONIO DE PADUA A LOS PECES. Versión humorística. 

PEQUEÑA LEYENDA DEL RIN. Narra un cuento infantil de un anillo arrojado al río.

ELOGIO DEL ALTO INTELECTO. Canción humorística sobre un asno que gana un concurso de canto.

Intérpretes de estas canciones son: Jessye Norman, soprano, y John Shirley-Quirck, bajo, con la Orquesta del Concertgebouw de Amsterdam dirigida por Bernard Haitink.

LA VIE ANTERIEURE, de Henri Duparc (1848-1933).

Fue compuesta en 1884, se basa en un poema de Baudelaire. Está escrita en DO MAYOR, aunque concluye con diez compases en la tonalidad de Do Menor.

PHIDYLÉ, de Duparc.

Escrita en 1882, canta los encantos del campo en el estío y el descanso de Phidylé. Termina la canción dejando que el piano pongas casi diez< compases del final.

CHANSON TRISTE, de Duparc.

Compuesta en 1868, se aprecia una creación emotiva entre suaves modulaciones.

L´INVITATION AU VOYAGE, de Duparc.

Canción en compás de 6/8 y de 9/8.de sencilla línea vocal.

Son intérpretes de estas canciones Jersey Norman con Dalton Baldwin al piano.

DIE DREIGROSCHENOPER, de Kart Weill (1900-1950).

LA ÓPERA DE CUATROS CUARTOS se presentó en Berlín en 1928. Intenta despertar los sentimientos populares contra la dictadura nazi. De esta obra están registradas en esta cinta las siguientes canciones:

CANCIÓN DE MACKIE NAVAJA

CANCIÓN DE EN VEZ DE

JENNY, LA DE LOS PIRATAS

Y

CANCIÓN DE LOS CAÑONES.

Las interpreta la Orquesta de la Ópera de Frankfurt, dirigida por Wolfgang Rennert.

THE MAN I LOVE, de George Gershwin (1898-1937).

EL HOMBRE QUE YO AMO fue escrita en 1924. Fue dada a conocer por la Orquesta Berkeley Square en Londres. Inestable y atractiva, tiene una ligera añoranza del jazz.

BIDIN MY TIME, del mismo.

ESPERANDO EL MOMENTO PROPICIO se presentó el 14 de octubre de 1930. Pronto adquirió una gran difusión.

LOOKING FOR A BOY, idem.

BUSCANDO A UN MUCHACHO se estrenó en Nueva York, el 28 de diciembre de 1925. Es una canción sentimental y profunda.

HE LOVES AND SHE LOVES, igual.

ÉL AMA Y ELLA AMA pertenece a una comedia musical estrenada en 1927, titulada CARA ALEGRE. 

Las interpretaciones son de la Orquesta Hal Moorey, dirigida por su titular. 

*

La cassete se se cierra con música para guitarra.

-377-

ALTENBERG-LIEDER, OP. 4, de Alban Berg.

Se le considera uno de los compositores líricos más importantes del siglo XX, por su contribución a la renovación del género operístico. Escribió numerosos lieder, de los que aquí constan algunos. Estos fueron escritos en 1912. Se estrenaron el 31 de marzo del año siguiente. Se inspiran en unos versos que un poeta solía escribir en tarjetas postales. Escritos para soprano y orquesta, son un ejemplo de la nueva estética del lied. La voz está tratada con gran riqueza de matices. Estos lieder se titulan.

Alma, cuán bella eres

Viste el bosque tras la tormenta

Más allá de las fronteras del Universo

No ha venido nada

Y

Aquí hay paz

Canta la soprano Margaret Price, acompañada de la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Claudio Abbado.

TRES LIEDER PARA CONTRALTO Y ORQUESTA DE CÁMARA, de Karlheinz Stockhausen.

Nacido en 1928, cerca de Colonia, es uno de los mayores representantes del vanguardismo musical. Su audacia, riqueza de invención y creatividad le son características propias. Estos lieder los escribió en 1950 y se estrenaron en París en 1971. Lenguaje atonal e independencia en la voz. Se titulan, respectivamente:

EL REBELDE

LIBRE

EL VIOLINISTA CALLEJERO

Interviene la contralto Silvia Anderson con la Orquesta Sinfónica de la Radio del Sudoeste, que dirige Karlheinz Stockhausen.

SERENATA PARA TENOR, TROMPA Y CUERDA, OP. 31, de Benjamín Britten (1913-1976).

En su catálogo de obras destacan las escritas para la voz humana. Como esta “serenata”, compuesta en 1943 y estrenada en el mismo año. Consta de seis movimientos inspirados en distintos poetas ingleses. La trompa abre y cierra la partitura. 

*

Comentario hablado y música variada.

-378-

CANTO GREGORIANO

*

Copio literalmente lo escrito en el prospecto:

El canto gregoriano, expresión artística propia de la Iglesia cristiana desde los primeros siglos de la Edad Media, fue durante mucho tiempo la música “oficial” del culto. Heredado de antiguas ceremonias judaicas, el sentido litúrgico del canto en el templo fue amoldado al cristianismo, formándose, poco a poco, un cuerpo de cánticos y pasajes musicales que se correspondía con las festividades del ciclo anual cristiano. Recopiladas por indicación de varios papas (una tradición no confirmada vincula esta decisión a San Gregorio Magno), estas piezas litúrgicas se utilizaron en todo el orbe a partir de la imposición del rito romano. 

TERCERA MISA DE NAVIDAD

Según la liturgia de la Iglesia Católica, el día de Navidad el sacerdote puede celebrar tres Misas: la de Medianoche, la del Alba y la Diurna. Esta grabación recoge parte de esta tercera misa:

Puer natus est nobis

Cantate Domino

Viderunt omnes

Tui sunt caeli

MISA DE NOSTRE DAME, de Guillaume de Machaut (1300-1377).

Quizá sea el primer compositor de la historia de la música occidental. Poeta, sacerdote y músico. Fue el primero en escribir música polifónica para el texto íntegro de una Misa. En esta misa hizo gala de una gran libertad armónica, pero resuena áspera e insólita a nuestros oídos. Según el canon tradicional., esta misa está completa.

Son intérpretes las voces y el conjunto instrumental de la Schola Cantorum Basiliensis, dirigidos por August Wenzinger.

-379-

LA MÚSICA POLIFÓNICA

*

MOTETE “OMNES DE SABA VENIENT”, de Orlando di Lasso (1532-1594)

Motete de gran belleza, propia de la escuela polifónica flamenca. Combinaciones armónicas y sugestivas que resaltan el texto.

MISA “BELL´AMPHITRIT´ALTERA”, de Lasso.

Una de sus obras más bellas. Doble coro que recuerda a los “madrigales” de Gesualdo. Los bloques vocales se mueven en aparente libertad. “Gloria” y “Credo” se inician gregorianamente. La parte más conmovedora de la obra es el “Agnus”, impregnado de triste belleza.

Interviene el Coro de la Christ Church Catedral of Oxford, dirigido por Simon Preston.

MAGNIFICAT PRIMI TONI, de Tomás Luis de Victoria (1548-1611).

Juego entre el canto llano y el polifónico, sin confusiones, con especial énfasis en la palabra “potentiam” descrita vigorosamente por este autor.

AVE MARIA, de Victoria.

Hay dos versiones, pero aquí está registrada la más difundida y bella. El Coro Ciudad de Cehegín lo lleva permanentemente en su repertorio religioso y hace de este motete mariano una de las más bellas interpretaciones, a decir de los melómanos oyentes. 

LITANIAE DE BEATA VIRGINE, de Victoria. 

Repertorio de alabanzas a la Virgen María, compuesto por combinaciones polifónicas que adquieren gran belleza y se deslizan con encantadora placidez.

Las versiones son del Coro del Saint John´s Collage, de Cambridge, dirigido por George Guest.

-380-

MISA DEL PAPA MARCELO, de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594).

Este compositor, al igual que otros de su tiempoo, intenta compaginar las directrices del Concilio de Trento (1545-1563) en materia litúrgica con la polífonía, hasta entonces, prácticamente pagana. Esto le valió que su Misa fuera totalmente aceptada y cantada hasta el día de hoy. El músico se percata de que la música religiosa es tal si lleva implícita la invitación a orar. Esta “misa” está escrita para seis voces. El tema es sencillo, transparente y claro, pues a Palestrina preocupaba su total comprensión. Se conservan dos manuscritos de esta Misa: uno, en la Capilla Sextina y otro en la basílica de Santa María la Mayor.

MOTETES, de Palestrina.

En esta grabación hay ocho motetes de cierta envergadura, aunque conservan su sobriedad y austera polifonía. Palestrina escribió 138 motetes para cuatro voces, 124 para cinco, 41 para seis, 2 para siete, 60 para ocho, y 12 para doce voces.

Interviene el Coro de la Catedral de Ratisbona, que dirige Theobald Schrems.

-381-

LA MÚSICA RELIGIOSA

*

CONCIERTO SACRO “BEATUS VIR”, de Claudio Monteverdi (1567-1643)-

Esta obra, publicada en 1650, ya muerto su autor, parte de los principio de la música coral veneciana del siglo XVI, pero crea un sentido de mayor independencia y desarrollo del material instrumental, de una declamación más directa y ornamentada de las voces solistas. Lo interpreta el Coro Monteverdi de Hamburgo y el Conjunto Instrumental dirigidos por J. Jurgens.

MAGNIFICAT EN RE MAYOR, BWV 243, de Bach.

Es su segunda mejor obra sobre textos latinos, después de la “Misa en si menor”. Fechada definitivamente en 1730, sus doce movimientos poseen un carácter emotivo, rico en matices y contrastes. Sobre sale la inefable ternura de la melodía del obor, y abundan los simbolismos musicales, como suele hacer Bach. El coro a cinco voces se une al pleno orquestal con irresistible pujanza rítmica.

Interviene el Coro y Orquesta Bach de Munich, dirigidos por Kart Richter.

MISA, de Stravinsky.

La escribió entre 1944 y 1948. Se estrenó en Milán y, posteriormente, en América. De polifonía austera y medieval, está influenciada por los grandes compositores de los siglos XIV y XV. Pero es una música fría, demasiado fría.

La interpretan los Niños Cantores del Trinity Collage y el Coro y Orquesta del English Bach Festival, dirigidos por Leonard Bernstein.

-382-

STABAT MATER, de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736).

Su fisonomía formal y su estilo melódico responden más al género teatral. Pero es necesario inclinarse ante un hombre que apenas vivió 26 años y nos ha dejado grandes cosas, como esta obra eminentemente religiosa, donde muestra la calidad de su inspiración. Consta de doce partes y está escrita para dos voces blancas y un conjunto de cuerda con bajo continuo. Una verdadera joya del barroco que le ha hecho inmortal.

Aquí está interpretado por el Coro del Colegio de San Juan, de Cambridge, y la Orquesta de Cámara Argo, dirigidos pr George Guest.

AVE MARÍA, de Schubert.

Fue una de las piezas que compuso para la obra “la dama del lago”. La belleza de su melodía, la intimidad sugerente, la espiritualidad palpable la transformaron en un lied religioso. Y es bajo este género musical como ha conseguido una fama superior a cualquier otra melodía de las que Schubert era maestro indiscutible. Una vez más quedó probado que lo “religioso” es el cenit del pensamiento y sentimiento humanos.

La canta, nada menos, la soprano Joan Sutherland con The Amrosian Singers y la Orquesta  New Philarmonia, dirigidos por Richard Bonynge.

-383-

MISSA SOLEMNIS EN RE MAYOR, OP. 123, de Beethoven.

Lo dicho en  el párrafo anterior puede aplicarse a esta genial obra de carácter eminentemente religioso. Compuesta entre 1818 y 1823, se estrenó el 17 de mayo de 1824. Entre patética y tierna, esta Misa, que supera el marco de lo litúrgico, representa perfectamente el alma del compositor de Bonn, rozando la voz humana los límites de sus posibilidades físicas. El “benedictus” representa la culminación lírica de una obra, que está escrita para cuatro solistas, para coro a cuatro voces, para órgano y orquesta. El “agnus” compagina el patetismo de la súplica con el grandiosos sinfonismo que nos hace pensar en la parte coral de su “Novena Sinfonía”. Como escribiera el propio compositor, “es una oración por la paz interior y exterior”.

La versionan el Coro de la Radio Holandesa y la Orquesta del Concergebow de Amsterdam, dirigidos por Eugen Jochum.

-384-

MISA GLAGOLÍTICA, de Leos Janacek (1854-1928).

Esta obra pertenece a su último período creacional. Fue una aportación al décimo aniversario de la República Checa (1928), evocando a sus primeros apóstoles, Cirilo y Metodio, autores del alfabeto “glagolítico”, además del “cirílico”. Esta “misa” consta de ocho partes. La primera y última son instrumentales, para perpetuar la costumbre de cómo entraban y salían los clérigos a la liturgia cristiana. En lo demás, conserva las partes de la “misa romana”. Esta “misa glagolítica” se estrenó el 5 de diciembre de 1927. El éxito fue inmediato.

La interpretan el Coro del Festival de Brighton y la Orquesta Royal Philarmonic, dirigidos por Rudolph Kempe.

MISSA BREVIS, de Britten.

Es su Opus 63. Está escrita para voces infantiles y órgano. Se estrenó en la Abadía de Westminster el 22 de julio de 1959. Es simple y transparente y se basa en la repetición de motivos cortos. El órgano alcanza especial virtuosismo.

-385-

REQUIEM EN RE MENOR, KV 626, de Mozart.

El presentimiento de la muerte domina esta última obra mozartiana. Estamos en 1791. Era consciente de que lo escribía para sí mismo. Pero su vida se quebró cuando en el “lacrimosa” llegó a las palabras HOMO REUS. La obra hubo de terminarla su discípulo Franz Xaver Sussmayr, con notabilísimo acierto. Mozart se sirvió de la liturgia como expresión de su personal creencia. De hecho, posee un carácter intemporal, como quien sabe lejos del resto de los mortales. Impresiona esta obra por su dramatismo espiritual. Su biógrafo, Saint-Fox, vio en el DIES IRAE una potencia cósmica imponente, que evoca la visión del fin del mundo. Hay una alternancia de tinieblas y de luz, con un “VOCA ME” que es, sin duda, una de las súplicas más fervorosas que jamás se hayan escrito sobre el pentagrama. No es fácil comentar en tan breve espacio esta partitura, que está escrita solamente para ser creída, orada y contemplada. Desde el “Introito” hasta la “comunión”, esta “Misa de Requiem” debiera cantarse de rodillas. Es una de las obras que más he llegado a asimilar desde que, allá por los 65/67, me encontré con la partitura que ávidamente leí y releí hasta aprenderla de memoria. Estaba, entonces, en Teruel. 

Con el Coro Ciudad de Cehegín he llegado a interpretar varias veces el “Lacrimosa”.

Aquí está interpretado todo el REQUIEM por el Coro John Alldis y la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigidos por Sir Colin Davis.

*

Pero el cassette se cierra con música de cine.

-386-

REQUIEM, OP. 48, de Gabriel Faure (1845-1924).

Lo escribió entre los años 1887 y 1888, con ocasión de la muerte de su amado padre. Si algún compositor ha sentido en su música el recuerdo piadoso hacia sus difuntos, ese ha sido Faurè. No me es fácil escribir esto, mientras escucho estas notas lúgubres, preñadas de amor esperanzado y fe en la inmortalidad, él, que era un creyente “sui géneris”. Este REQUIEM evita el terror, el angustiado lamento, la desesperación teatral, y expresa una resignación poética ante la “inevitable”. La orquestación de esta obra, siempre transparente, se desplaza hacia las cuerdas graves y el órgano asume un importante papel. Consta de siete fragmentos llenos de dinamismo y tensión. Pero también de reposo y serenidad confiada. 

No hay un REQUIEM tan intimista como éste. El Coro Ciudad de Cehegín lo tiene siempre dispuesto para orar, cantando, por los miembros o familiares que parten de este mundo. PIE IESU, DOMINE, DONA EIS REQUIEM, canta la soprano conmoviendo el corazón de los cristianos reunidos en las exequias. 

Aquí está le versión de la Unión Coral de la Tour de Peilz y la Orquesta de la Suisse Romande, dirigidos por Ernest Ansermet.

-387-

ORATORIO DE NAVIDAD, BWV 248, de Bach.

Dio el nombre de “oratorio” a tres de sus grandes obras: “Oratorio de Pascua”, “Oratorio de Navidad” Y “Oratorio de la Ascensión”. Este que nos ocupa lo escribió entre 1734 y 1735. En realidad, es una serie de cantatas, de las que aquí sólo está registrada una selección. Son seis y están escritas para ser cantadas los días 25, 26 y 27 de diciembre, día de la circuncisión, domingo siguiente y día de la Epifanía. Derivan de otras cantatas profanas. El texto, en este caso, se basa en pasajes del Nuevo Testamento, entre los que inserta meditaciones y comentarios corales. El Oratorio concluye, curiosamente, con el coral de la Pasión.

Esta selección está interpretada por el Coro y Orquesta de la Radio de Baviera, dirigidos por Eugen Jochum.

LA PASIÓN SEGÚN SAN LUCAS, de Krzysztof Penderecki (n. 1933).

La compuso entre 1963 y 1965, para celebrar el 700 aniversario de la Catedral Münster. Y ahí se estrenó. Consta de 26 números y está dividida en dos partes prácticamente simétricas. Se sirve de los textos latinos de La Vulgata. La obra trata de conjugar musicalmente elementos tradicionales y técnicas contemporáneas bajo los esquemas de las “pasiones” de Bach. Su fuerza expresiva y los efectos dramáticos logrados son la característica de esta obra del siglo XX. 

Versiona esta selección el Coro y Orquesta Filarmónica de Cracovia, dirigidos por Henrik Czyz.

-388-

LAS ESTACIONES, de Haydn.

Obra popular por su temática y carácter musical. La terminó de escribir en 1801, estrenándola el 24 de abril de ese año, en Viena. La obra trasluce un espíritu primordialmente lírico. Los cronistas van narrando escenas del campo, imágenes típicas del curso del año, paisajes, idilios y escenas populares. Una melodía de origen popular convive con formas teatrales y polifónicas. El conjunto orquestal responde a la madurez del sinfonismo de Haydn. El oratorio conduce, como es natural, a una meditación moralizante sobre la vida humana.

La selección aquí registrada responde a la versión del Coro y Orquesta de la Academy of Saint Martin in the Fields, que dirige Neville Marriner.

*

Pero el cassette se cierra con música de Bach.

-389-

LA CANTATA RELIGIOSA

*

La cantata religiosa constituye el verdadero núcleo de la producción vocal del Cantor de Santo Tomás. El conjunto de sus cantatas es de lo más impresionante en la historia de la música. Bach escribió cinco series de cantatas para todos los domingos y fiestas del año litúrgico.

CANTATA “HERZ UND MUND UND THAT UND LEBEN”, BWV 147,  de Bach.

Fue escrita en Leipzig hacia 1727. Es una recomposición en dos partes de otra compuesta para el cuarto domingo de Adviento de 1716. Presenta un movimiento coral repetido con distinto texto.

Aquí está interpretada por el Coro de Cantores de la Iglesia de los Tres Reyes, de Frankfurt, y la Orquesta del Collegium Musicum, dirigidos pro Kart Thomas.

CANTATA DE NAVIDAD, de Arthur Honneger (1892-1955).

Es el testamento espiritual de su autor. Se estrenó el 18 de diciembre de 1953, en Basilea. Esta cantata responde a una construcción simétrica. Empieza por tres acordes del órgano. El barítono anuncia la venida de Cristo y el coro utiliza melodías navideñas alemanas y francesas. La cantata termina en un enérgico LAUDATE DOMINUM.

Está interpretada por el Coro de Jóvenes de Lausanne, el Coro de Radio Lausanne, el Pequeño Coro del Colegio de Villamont y la Orquesta de la Suisse Romande, dirigidos todos por Ernest Ansermet.

-390-

LA CANTATA PROFANA

*

DER SCHULMEISTER, de Georg Philipp Telemann (1681-1767).

Telemann fue un músico más moderno que Bach, con una escritura transparente e ingrávida con que pretende abolir las fronteras de estilos. Posee más de mil cuatrocientas cantatas religiosas, pero su conjunto profano no es nada despreciable.

EL MAESTRO DE ESCUELA está escrita para barítono, coro de voces blancas, cuerda y bajo continuo. Tiene un contenido armónico latente muy elemental.

La canta Hermann Prey con el Coro de Niños de Salzburgo

DIE LANDLUST, de Telemann.

LA FELICIDAD CAMPESTRE es una breve cantata concertante para voz blanca, flauta y bajo continuo, y responde a la tradición barroca de la pastoral italiana.

Los mismos intérpretes.

LA EJECUCIÓN DE STEPAN RAZIN, de Shostakovich.

Esta cantata está entroncada en la tradición épica e histórica de la música rusa. Es un feroz ataque a cualquier institución de poder, identificándose con el sustrato popular del pueblo ruso. Tiene un estilo melódico y vocal peculiar. El lenguaje orquestal es vigoroso, evocador o agresivo, y sugiere el fondo anecdótico. Es una espectacular cantata.

La versionan el Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio de Leipzig, dirigidos por Herbert Kegel.

*

Como verás, en lo que llevamos de este Segundo Tomo nos hemos centrado en presentar la parte temática de la música archivada y guardada en cinta magnética. Obras muy importantes todas. Algunas, posiblemente, no te eran familiares. Pero ya ves qué hermoso es repasar estos estuches e ir aprendiendo algo de lo mucho y bueno que encierra la historia de la música culta. Y, lógicamente, te has ido haciendo aún más culto.

*

A partir del n. 391, vamos a contemplar la música desde un aspecto más personal e íntimo. Así me lo han sugerido algunos amigos. ¿Qué nos dice la música al tiempo de ser escuchada? ¿Cómo entramos en sintonía con el mensaje melódico y con el acompañamiento orquestal? ¿Cómo se comunica la música con nuestro interior, no habiendo palabras de por medio? Y vamos a hallar respuestas a través de unas 30 obras seleccionadas, con las que empalmaremos la Primera y la Segunda Parte de este volumen.

*

-391-

JOHANNES BRAHMS

SINFONÍA N. 1 EN DO MENOR, OP. 68

Primer Movimiento, un poco sostenuto.

La orquesta y los timbales conjuntamente lo inician. Los instrumentos van dando puntadas del tema que recogen los violines. El oboe inicia una melodía que se transforma en vaivén de las cuerdas. Acordes de orquesta intentan centrar la situación. El ánimo va percibiendo una cierta melancolía, una tristeza contenida. Los contrabajos y violoncelos la acentúan. Y las trompas. Inesperadamente, la serenidad se impone en toques de flauta. No obstante, el tormento interior quiere salir a flote. Hay lamento en las cuerdas agudas. Y vuelve el tema con renovado esfuerzo del tutti orquestal. Un nuevo desvanecimiento con la melancolía a golpe de timbal.

Segundo Movimiento, Andante sostenuto.

Los violines quieren entonar una canción contestada por la madera y el viento. Diálogo maravilloso, de un romanticismo subyugante. Se quieren hacer notar a título individual sobre acordes de las voces más graves. Pero lo importante es el diálogo. Penas compartidas. Hay un deseo de escapar a la tristeza con atisbos melódicos de mayor sublimidad por parte de los violines, que son contestados por el metal. La atmósfera se hace cálida y comprensiva. Y el violín Renata el movimiento.

Tercer Movimiento; un poco allegreto y gracioso.

Los instrumentos quieren entonar un canto más alegre. Es un intento repetido y arropado. Parece que el clarinete tiene la solución. No, no es suficiente. Hay que hacerlo en otro ambiente de más calma.

Cuarto Movimiento, Adagio. 

Una introducción, unos “pellizcos” de la cuerda, que se repiten. Por fin, las trompas anuncian el tema principal. Las flautas les hacen el eco. Acordes solemnes del metal. Todo esto es necesario para el canto triunfal de las cuerdas en su totalidad. Polifonía instrumental transmitiendo esperanza al mundo pesimista. 

Yo sé que la música es un lenguaje divino. Pero el ateismo se ha introducido en tantas capas de nuestra sociedad, que ya ni esta belleza musical le dice nada. El ateismo, por definición, es pesimista e infeliz. El lenguaje de la música, como el de la fe, tiende a la regeneración de la vida. 

Ahora lo menos importante es si esta “sinfonía” está interpretada por la Suddeutsche Philarmonie Orchestra, o si su director es Hans Swarowski.

-392-

LUDWIG VAN BEETHOVEN

CONCIERTO PARA VIOLÍN Y ORQUESTA EN RE MAYOR, OP. 61

Primer Movimiento, allegro ma non troppo.

La orquesta prepara el ambiente para la entrada del violín solista. Son compases de solemne armonía. Y ya le da el tema de lo que quiere que cante el violín. Éste, así estimulado, se lanza en solitario. Es una bellísima canción, casi un lied alemán. La orquesta, por cuerdas o voces, va repitiendo el motivo de la melodía, mientras el violín hace de acompañante. Un bonito juego en que Beethoven da lo mejor de su inspiración. Indudablemente, el protagonista es el violín, que ahora parece retar al resto orquestal, haciéndole repetir justamente lo que él acaba de exponer. Y, casi sin darse cuenta, vuelve al primer motivo. Mientras el canto se hace general, las cuerdas bajas repiten los finales como si fueran el eco de la melodía. Nuevo motivo, nuevo diálogo y nuevo juego. Así, hasta unos 25 minutos. Haciendo uso de las dobles cuerdas, el solista tiene unos compases para el lucimiento artístico, no sólo técnico. Y en él recuerda las bellas melodías anteriores, como si fuera una reflexión meditativa. 

Segundo Movimiento, larghetto.

Nuevamente, la orquesta tienta al solista dándole pautas melódicas para su intervención. No hay la alegría del “primero”, pero tampoco se mueve en depresiva actitud. El violín deja que el metal cante, haciéndole él los adornos o filigranas. Las cuerdas repiten ese canto, mientras el violín reposa. Sin duda, hay aquí una excepcional belleza. El solista se lanza, aunque pausadamente, a llenar el ámbito de musicalidad. Como quien anda de puntillas, las cuerdas se mueven en pizzicato, brevemente. Hay languidez ambiental. Casi éxtasis. Pero la orquesta entra decididamente en acordes típicos del sordo genial.

Tercer Movimiento, rondó.

Y se pasa a la euforia final. Vuelve el violín a lucir sus mejores trinos y arpegios, mientras los compañeros mantienen la tonalidad cual si se tratara de un órgano continuo. Ellos también se unen a la algazara, absortos por el cambio melódico del solista, que más que cantar, vaticina la belleza inmarchitable. Y vuelve al motivo primero, con que, compases después, acompañado del tutti orquestal, se va a cerrar este “concierto”, no sin antes intentar lucirse en solitario, mientras los bajos le advierten de su límite. Saltando, casi brincando, él y ellos se encaminan a un final de dos tajantes acordes.

La versión aquí registrada es de la orquesta anterior, dirigida, esta vez, por Alexander von Pitamic. Al violín, Iván Harkov.

*

El casstte termina con música variada.

-393-

EDUARD GRIEG

SUITES DE PEER GYNT, N. 1 Y N. 2

En la mañana.

Amenece. Mientras el sol, poco a poco, va esparciendo sus rayos de luz sobre la Naturaleza, ésta va despertando en sus pájaros, en sus cristalinas fuentes, en todo el esplendor de su grandeza. Ësta tiene una única melodía: la mano divina.

Muerte de Ase.

No importa aquí el personaje, sino el mensaje de una fúnebre melodía ascendente y descendente. La muerte no es el final. Decía mi buena madre que “no hay cosa que más despierte que dormir sobre la muerte”. Sí, la muerte es un sueño, como la vida. Cada día nos vamos muriendo… ¡para despertar!

Danza de Anitra.

Las cuerdas realizan un vals rápido, alegre, aunque con cierta melancolía. Melodías que se desdoblan. Dúos y pizzicato. La felicidad puede estar aquí representada, no el jolgorio insensato. Hay cierta gravedad responsable en medio de la más profunda alegría.

En la caverna del rey de las montañas.

La seriedad del fagot nos pone en guardia al andar por estos misteriosos parajes. La música se precipita, ¿hacia dónde? Hay reminiscencias orientales.

Lamento de Ingrid.

Llamémosle Alma. Esta música tranquila, bella, es como un lamento, sí. Si nos adentramos interiormente, descubrimos que el Alma ha estado muchas veces prisionera de un cuerpo torpe, insensato. Ella, que sólo es beldad divina, añora a ésta doquiera camine por el mundo.  El redoble de timbal lo asocio al despertar de la conciencia.

Danza árabe.

Breve exposición de una pieza bailable desenfadada, de carácter oriental, que acaba inesperadamente.

Regreso de Peer Gynt.

Sin comentarios.

Canción de Solveig.

Una de las más famosas melodías cantadas del mundo. Aquí está interpretada por los violines de la Orquesta Sinfónica de Munich, que dirige Alfred Scholz. No cabe mayor romanticismo. Pero un romanticismo alegre, feliz. La dicha se nota en cada una de sus notas. Y la paz. Estoy convencido de que esta música es un gran beneficio para el ser humano. La canción acaba como empieza, es decir, la introducción sirve de epílogo. Gracias, Grieg.

-394-

LUDWIG VAN BEETHOVEN

SINFONÍA N. 5 EN DO MENOR, OP. 67

Sin duda, la más famosa de sus sinfonías, incluso que la “novena”. Para mi gusto, la mejor estructurada. Esto ya se ve desde el Primer Movimiento –allegro con brío-, en que un juego de cuatro notas va como a marcar no sólo el ritmo, sino el propio esquema sinfónico. Es, también, una de las sinfonías más versionadas. Aquí tenemos el registro que de ella hizo, hace años, la Orquesta Filarmónica del Sur de Alemania, dirigida por Hans Swaroski. 

Su segundo Movimiento –andante con moto-, verdadero contraste con el anterior, es el típico aire de una melodía que no puede sino ser repetida una y otra vez, cargada de embeleso, como envidiando a cada sección de la orquesta. Se genera, así, una variación de la misma que pasa de unos a otros instrumentos con auténtico mimo. Hasta que el tutti orquestal, recogiéndola, la entona solemnemente. Es difícil encontrar mayor perfección en una escritura musical. Y el fagot anticipa la conclusión de la misma con sinigual delicadeza.

El tercer Movimiento –allegro- contiene un aire marcial, aureolado de melodías varias. La fuerza y la debilidad unidas. Gracia y vigor a un tiempo. Los contrabajos marcando ritmo. Nuevamente se vuelve al inicio temático. El fagot como jugando al escondite. Y se pasa, casi ininterrupidamente al último Movimiento, también allegro. Algo juguetón. Las trompas y trombones contrapunteando a las cuerdas delicadas. Cuando parece querer terminar, se vuelve al tema, acelerándolo, y marcando como en fanfarria los acordes propios de Beethoven. Pero el final lo marcan ellos de modo inflexible.

-395-

JOHANN STRAUSS

 VALSES, POLKA Y MARCHA

Estamos ante el primero de la saga Strauss, que vivió entre 1804 y 1849. La Orquesta que los interpreta es la Münchner Ball, dirigida por Georg Hlinka. Y son estas obras:

Vals “Bombones de Viena”.

Ocho minutos de la música típica de la capital austriaca. Alegría por doquier. Elegancia. Protagonismo en metales y violines.

Vals del Tesoro.

Introducción al tema de la danza, que inmediatamente accede por parte de los violines. Cogen el relevo las cuerdas menos agudas. Algo más de siete minutos.

Polca “Tritsch Tratsch”.

Resulta muy familiar esta breve, de algo más de dos minutos. Se suele utilizar en la transmisión  de pruebas ciclistas, por ejemplo. Es una especie de “perpetuum mobile”.

En el bello Danubio Azul.

He aquí el Vals por excelencia en los Conciertos de Primero de Año, desde Viena. Sin duda, es tan bello como el recorrido paisajístico que se supone se debe recorrer cuando se visita la capital de la música. Dura cerca de diez minutos.

Vals “Vino, mujeres y canciones.

Unos seis minutos. Ya cantaba Manolo Escobar aquello de “viva el vino y las mujeres”. Es un tema muy manido en el concepto machista del bienestar. Pero, ciertamente, esto aquí registrado es más bello que la canción escobárica.

Marcha Radestzki.

Los conciertos de Año Nuevo se cierran con ella. El auditorio participa con sus palmadas. Son dos minutos de oro para un bello encuentro mundial del 1 de enero. Desgraciadamente, los restantes 364 días son otra cosa.

-396-

LUDWIG VAN BEETHOVEN

SINFONÍA N. 6 EN FA MAYOR, OP. 68 –PASTORAL-

Ya ves que tenemos que recurrir a Beethoven, quiérase o no. Ahora tenemos en nuestras manos el registro de una Sinfonía, llamada “pastoral” por ser la Naturaleza su fuente de inspiración. La vida del campo, las costumbres campesinas, el tiempo meteorológico, los paisajes… A casi todos los grandes compositores le Naturaleza ha sido fuente constante de inspiración. Algunos dirían “Dios”. Al fin de cuentas, es lo mismo, si tenemos en cuenta que la Creación toda es obra de sus manos.

Esta sinfonía, curiosamente, tiene cinco “movimientos”. Ya sabes que lo normal es que sean cuatro, y que sean tres los movimientos de los Conciertos. Bueno, pues estos cinco movimientos son: allegro ma non troppo, andante molto mosso, allegro, allegro y allegretto. La interpreta la Orquesta Sinfónica de Munich y la dirige Hans Swarowski. Ya los conocemos de antes.

Empezamos saliendo de casa, por la mañana, hacia la campiña. El sol ya refulge en los campos. Las avecillas cantoras, ya desperezadas, se aprestan a dar sus primeros vuelos en busca del alimento necesario para la jornada. Paulatinamente, la tierra se pone radiante por el astro sol. Hay alegría en los que al campo se dirigen o ya han iniciado las tareas matinales. Se perciben las ganas de vivir a través de la tonalidad mayor.

El calor y el frenesí laboral piden un tiempo de descanso, de receso, para reponer las fuerzas  Es la hora de la siesta. La Naturaleza hace lo propio. Todo se serena cuando el implacable Lorenzo se adueña del hemisferio. Bajo los árboles, a la sombra de sus frondosas ramas, hay una visión algo diferente del entorno rural. Las flautas van dando esos tonos de quietud, casi de somnolencia. Y una y otra vez la melodía se insinúa o se torna inacabada.

La tarea del campo recobra la normalidad. Hay tiempo también para la caza. Las trompas nos lo indican. Y para la tormenta. Las nubes, inesperadamente, cubre el cielo, ya muestran sus amenazas de rayos y truenos. Y un viento casi huracanado hace más lúgubre la tormenta de verano. Hasta que, por fin, ésta se disipa. Vuelve a escucharse el tema inicial de este movimiento y todo torna a la normalidad.

Tras la faena, la invitación al refrigerio y a la danza. “De la panza sale la danza”, hemos leído en alguna parte. Los violines, las violas, las cuerdas graves, los instrumentos de viento y de madera… Todo a punto. La alegría de la naturaleza deriva en el júbilo humano. El día llega a su fin.

-397-

ROBERT SCHUMANN

CONCIERTO PARA PIANO, OP. 54

-Oye, Clara, míra esta partitura que he compuesto para ti.

-Gracias, Robert, ahora mismo me pongo al teclado.

-Nadie la va a tocar como tú, querida.

-Me halagas, esposo mío, pero sí puedo decirte que nadie la interpretará con más cariño.

-Lo sé, Clara, lo sé. Vamos a escucharla.

Y Clara, que sabe que su pobre marido es el hombre más romántico y bueno del mundo, se apresura a dar los primeros acordes de este Concierto, en un Allegro affetuoso, en que el piano, en diálogo permanente con la orquesta, impone las cadencias, las melodías, el ritmo. El conjunto no hace más que obedecer las indicaciones de tan virtuosa pianista. Son quince minutos. El clarinete es como el eco. 

(Aprovecharé para indicar que aquí está versionado por el pianista Ernst Gröschel con la Orquesta del Norte de Alemania, que dirige Hanspeter Gmür.)

El segundo movimiento hace de intermezzo en andantino gracioso. Pequeños saltos en el piano, casi soto voce. Las cuerdas entonan una plácida melodía, que es respondida por la madera. El piano se une al intento melódico. Impulsado por la orquesta, el piano desarrolla su canto alegre. Ambos, remedando el bello diálogo inicial, se confabulan en un allegro vivace que les conducirá al cierre de puertas de la obra, de este único concierto para piano que escribiera Schumann.

- Gracias, Clara. Me ha gustado mucho.

- Gracias a ti, amado mío. Lo haré famoso en toda Europa.

-398-

GIACOMO ROSSINI

OBERTURAS DE ÓPERAS

Y son estas cuatro:

La gazza ladra. 

Solemne, marcial. También, alegre y juguetona. Diez minutos.

La italiana en Argel.

Casi ocho minutos. Clarinetes. Flautas. Portan sendas melodías arropadas porf el tutti orquestal. 

(Ambas oberturas están versionadas por la Orquesta Mozarteum, bajo la dirección de Alfred Scholz).

El barbero de Sevilla.

Algo más de siete minutos en la versión de la Orquesta Sinfónica de Munich, dirigida por el anterior. Recopilación de la obra, carece del andalucismo  que se supondría. Pero tiene cierto aire pícaro innegable.

Guillermo Tell.

Once minutos en la versión de la Orquesta Filarmónica del Sur de Alemania, con el mismo director. Me encanta esa entrada de los violoncelos. Ya le marcan a la obra el dramatismo de esa épica suiza del gran libertador helvético. Para mi gusto, es la mejor obertura rossiniana.

-399-

LUDWIG VAN BEETHOVEN

SINFONÍA N. 3 EN MI BEMOL MAYOR –HERÓICA-

Una vez más, el sinfonismo del sordo genial se hace inmenso. Sin despreciar sus otras cinco, ésta, la quinta, la sexta y la novena rayan en la perfección formal y acertada inspiración. Es evidente que no toda la sinfonía tiene el mismo poder de captación. En mi caso, me subyuga ese segundo movimiento o “marcha fúnebre”. Su adagio assai contrasta inefablemente con ese allegro con brio del primer movimiento. Y, además, debemos reconocer la maestría con que la interpreta la Orquesta Sinfónica de Munich, a las órdenes de Alexander von Pitamic. Veamos.

Dos secos acordes para acelerar el aire de las cuerdas. Inmediatamente, el metal insinuará el tema, cuyas variaciones, entremezcladas de los acordes del inicio, duran algo más de 13 minutos. Toda la orquesta mantiene un ritmo acelerado, como deseando llegar al tesoro que le aguarda en la segunda parte. Unos instrumentos se entrecruzan con otros, tejiendo todos el mismo hilo conductor de lo que podríamos llamar una auténtica “obertura”, que nos recuerda a sus otras famosas de Egmont o Coriolano. Vuelve al motivo musical intervalado. El movimiento acaba con los acordes iniciales.

Verdadera marcha fúnebre es el segundo movimiento. Las voces graves soportan una melodía cordal, triste, a la que se une el oboe, para imprimir delicadeza, pero sin menguar melancolía. De similar duración al primero, es una polifonía instrumental. Si fuera vocal, no perdería lugubredad. De eso se encargan, también, metales y timbales. Esa especie de fuga de las cuerdas es de una belleza impresionante. Pasa a los metales. Las trompetas ¿qué anuncian? Dios mío, ¡si esto se llevara a las procesiones de Semana Santa! Pero lo mediocre anda suelto. 

El tercer movimiento es un scherzo que pasa a allegro vivace, para terminar en allegro molto en el cuarto y último movimiento. Precipitación de las cuerdas. Compases sincopados e inicio del tema final. Casi un himno triunfal. Las trompas delante. 

-400-

PETER I. TCHAIKOVSKY

SINFONÍA N. 4 EN FA MENOR, OP. 36

Con esta “sinfonía” vamos a cerrar la Primera Parte de este Segundo Tomo. Tchaikovsky es la elegancia sinfónica rusa. De sus seis sinfonías,  la 4, la 5 y la 6 son mis preferidas. De hecho, son las más interpretadas en los escenarios del mundo. Esta “cuarta” tiene cuatro movimientos: Andante sostenuto que pasa a moderato con énima, Andantino in modo di canzona, Scherzo con un pizicato ostinato y allegro con fuoco final. Es una obra sin desperdicio. Aquí está interpretada por la Orquesta Filarmónica del Sur de Alemania, bajo la batuta de Hanspeter Gmür. Veamos.

Abre el metal, trompetas y trombones. Esa fanfarria la repite la orquesta. Y la música se apaga casi al límite. Desde las cuerdas se inicia la melodía del tema en ascendente volumen, que pasa al resto. La tonalidad menor encierra misteriosamente el mensaje musical. Pero la repetición de la melodía rusa intenta salir a flote. Hasta imponerse. El oboe inicia otra variante temática. Está como en lejanía. Consigue que el tutti orquestal vaya reaccionando. Casi parece una batalla. Las trompetas, contestadas por los trombones. Los violines insisten en las melodías rusas. Intervienen los graves del metal. Vuelve la fanfarria. El dramatismo se acentúa considerablemente. Y regresa el sonido casi a la mudez. Ahora es el fagot quien intenta el inicio del motivo temático. Le sigue el oboe, y la flauta. Los violines, casi imperceptibles. Paulatinamente se asciende al tutti nuevamente. Aviso de trompetería, ecoizado por el resto de los metales. Al final, las cuerdas recuerdan y los metales cierran el movimiento.

El viento dulce inicia la canción del segundo movimiento. La inicia y completa. Las variaciones las hará la orquesta sucesivamente, Tchaikovsky es un especialista de las “variaciones”. Un verdadero fenómeno. Son notas lastimeras. Interviene la madera. La canción es repetida una y otra vez. Entre este movimiento y el último, un breve pasaje de “pizicato” que dará entrada, casi sin interrupción, al grandioso movimiento final  Grandioso, sí. Solemne. Nueva canción rusa precedida y acompañada de la batería. Los platillos, en un protagonismo singular. La sinfonía se hace épica. Pero el corazón ruso late por doquier. La aceleración va en aumento. 

*

FIN DEL CUARTO TOMO

Alfonso Gil González